Новости сайта

30 ноября -1 "Берлинская модная фотография 1930-х годов" Мода как предлог Произнесите вслух: «Архивный фэшн» — и понюхайте воздух. Не очень-то даже и интересно получается. Нафталином пахнет загодя, согласитесь. Конечно, если принюхаться, любая мода пахнет нафталином загодя. Но эти золотые кудри под каракулевой шапочкой, этот битый молью немецкий фэшн, — это как-то даже особенно. Когда это было «в моде», такое полагалось «листать»: «Она листала модный журнал»; за семьдесят лет этому глянцу истереться бы в пыль, которую даже не заметишь, оглядывая 1930-е, но… Возникает некоторое «но», благодаря которому архивный фэшн из Берлинской библиотеки искусств вызвал на европейских гастролях интерес больший, чем, казалось, мог бы. Попробуйте произнести вслух: «Модная фотография Берлина тридцатых» — и если не вывихните челюсть, зевая в начале, вы почувствуете, как интерес растет с каждым следующим словом. Интерес вызывают не успехи берлинских модельеров. Равно как и не успехи берлинских фэшн-фотографов — среди имен последних посетитель, в тонкости не посвященный, обнаружит едва пару знакомых имен. Во-первых, Ива (Эльзе Нойлендер-Симон), в студии которой работал, пока не покинул Германию, будущий Хельмут Ньютон. Во-вторых… Уже «во-вторых» сложнее. Из десятка прочих имен более знакомо, пожалуй, имя Имре фон Сано (неоклассические позы, продырявленные острыми конструктивистскими композициями), но и это лишь «пожалуй». Главная причина, конечно, сами 30-е. Берлин, 30-е — и начинает рисоваться такой фон, что помести на нем самую затрапезную мелочь — зазвучит, как обвинительная речь на Нюрнбергском процессе. Самое главное — внизу, на подписи, в конце: дата. После этого внимание больше не возвращается к покрою, фасону, силуэту, композиции, позам и т.п. История про покровы становится историей самих тел; вспоминая Иву, вспоминаешь тут же дату ее смерти — 1942-й — и неопределенное место, не то Майданек, не то Аушвиц (про Аушвиц рассказывал Ньютон, когда вспоминал учительницу, но он мог и ошибаться — просто Аушвиц познаменитее будет).

30 ноября -1 Положение о втором Международном конкурсе детского рисунка на лучшую открытку Цель конкурса: Представление мира искусства в многообразии образов и красок, стремление к творческому самовыражению посредством изобразительного искусства. Задачи конкурса: 1. Раскрытие творческого потенциала детей и подростков; 2. Развитие эстетического вкуса учащихся; 3. Поддержка одаренной молодежи. Tемы конкурса: 1. Город вечной красоты 2. Дом мудрости (иллюстрации к пословицам, поговоркам, мудрым суждениям). Участники конкурса: Участниками считаются все авторы, приславшие свои работы в адрес Оргкомитета согласно условиям конкурса согласно заявке (прилагается). Возраст участников 8-17 лет. Возрастные группы: А oт 8 - 11 лет Б oт 12 - 14 лет В oт 15 - 17 лет Условия участия в конкурсе и порядок приема конкурсных материалов: Участник представляет на конкурс не более 2-х своих работ, которые должны соответствовать тематике конкурса, иметь свое оригинальное название. Название и Ф.И.О. автора указываются печатными буквами на обратной стороне каждой работы. Желательно оформление работ в паспарту или рамки. Допустимая техника исполнения: гуашь, масло, акварель, пастель. Размер работ не оговаривается. Работы, присланные на конкурс, возвращаются в Санкт-Петербурге. Организатор имеет право использовать работы, принятые на конкурс, в рекламных и иных полиграфических материалах с целью продвижения Форума "Арт город" Работы доставляются по адресу организатора конкурса в срок с 01 сентября по 30 ноября 2005 года. Сроки проведения конкурса: Все материалы принимаются с 1 сентября до 30 ноября 2005 года по адресу Оргкомитета. Основные оценочные критерии Качество работ с художественной точки зрения. Интересное раскрытие и выдержанность темы. Жюри конкурса: Жюри определяет лауреатов и дипломантов конкурса и победителя в каждой из номинаций. Решение жюри оформляется протоколом, подписываемым всеми членами жюри. Основные критерии при рассмотрении конкурсных материалов: качество работ с художественной точки зрения; интересное раскрытие темы; выдержанность темы. Итоги и награды: Жюри объявляет имена победителей на торжественной церемонии открытия выставки лучших работ 12 апреля 2006 года. Все авторы получают свидетельства об участии в конкурсе. Авторы лучших работ получают дипломы и памятные подарки. Жюри фотоконкурса Петрова Евгения Николаевна - зам. директора Государственного Русского Музея по научной работе Киселев Владимир Николаевич - директор Городского Дворца творчества Юных Некрасова-Каратеева Ольга Леонидовна - заслуженный деятель искусств России Мамонтова Ольга Дмитриевна - заведующая изостудии городского Дворца Творчества Юных Чаркин Альберт- председатель Санкт-Петербургского Союза художников Талащук Алексей Юрьевич - ректор Санкт-Петербургской Государственной Художественно-Промышленной Академии Богомолов Глеб- художник Рыбаков Юлий - художник, правозащитник Орлов Евгений Михайлович - президент Арт центра "Пушкинская 10" Сотина Зинаида Владимировна - художник Гребенщиков Борис Борисович - художник, музыкант Оргкомитет конкурса Организатор - Некоммерческое партнерство "Форум Арт город" Адрес организатора - 190000, Россия, Санкт-Петербург, Почтамт, а/я 531. Телефон - 812-320-2998, e-mail: forum@viiunity.ru, www.viiunity.ru. Президент - Винера Бадретдинова Контактное лицо - Марина Колесниченко

30 ноября -1 Выставка Александра Дурандина Выставочный Центр Санкт-Петербургского Союза Художников приглашает на выставку Александра Дурандина Александр Дурандин (1944-2003 г.г.) принадлежит к сравнительно молодому поколению графиков. Особенно уникален он как ксилограф. Он прекрасный рисовальщик и компоновщик. Силой, образности, красивым цветом и особой культурой своих гравюр он обязан тому, что зарабатывал свой хлеб книжным дизайном. Открытие  выставки 2 ноября 2005 г. в 18.00 в выставочных залах Санкт-Петербургского Союза художников, По адресу: СПб, ул. Большая Морская, д. 38. Выставка будет проходить со 2 ноября по 13 ноября 2005г. Время работы выставочных залов с 13.00 до 19.00 часов Выходной день – понедельник

30 ноября -1 Открытие выставки Скульптуры и живописи «МЫ ПРИГЛАШАЕМ В ГОСТИ ГУБЕРНАТОРА» Открытие выставки Скульптуры и живописи «МЫ ПРИГЛАШАЕМ В ГОСТИ ГУБЕРНАТОРА» состоится в Выставочном Центре Санкт-Петербургского Союза Художников Групповая выставка скульпторов представит зрителям графические, живописные и скульптурные работы, выполненные в различных техниках и материалах. В экспозиции будет представлено более 100 произведений. Всех этих художников разных по темпераменту и по характеру их творческих достижений объединяет общий дом - «Дом скульптора на Заневском», в котором расположены мастерские художников. Впервые мастера ваяния, собравшись вместе, решили показать любимому городу свои произведения, даже скорее рассказать зрителю обо всех секретах скульптурного мастерства, представив весь спектр подготовительных работ. Название выставки – это обращение к властям города, а главное к губернатору со своим манифестом «Художники городу – Город художникам»: 1. «Мы хотим организовать симпозиумы по выполнению скульптур устанавливаемых в городе» 2. «Организовать губернаторский фонд из художественных произведений, в основу которого войдут скульптуры и художественные произведения» Участники выставки: Виталий Новиков-Рогачев, Юрий Елеференко, Станислав Задорожный, Эдуард Мхаян, Левон Бейбутян, Ашот Казарян, Александр Черницкий, Ольга Иващенчева, Юлия Архипова, Ирина Расковская, Андрей Архипов, Алексей Архипов, Владимир Пузырин, Александр Тихонков, Денник Мелик-Акопян, Ирина Ярошевич, Эдуард Мхоян, Ахнав Зиякаев, Лев Разумовский, Юрий Беспалов. Открытие  выставки 2 ноября 2005 г. в 18.00 в выставочных залах Санкт-Петербургского Союза художников, По адресу: СПб, ул. Большая Морская, д. 38. Выставка будет проходить со 2 ноября по 13 ноября 2005г. Время работы выставочных залов с 13.00 до 19.00 часов Выходной день – понедельник

30 ноября -1 В Санкт-Петербурге в галерее "КвадраТ" откроется фотовыставка "Река под рекой" 3 ноября в Санкт-Петербурге в галерее "КвадраТ" открывается выставка Лики Федоренко и Дмитрия Конрадта "Река под рекой". На выставке будут представлены фотоработы двух известных питерских авторов, раскрывающие новые грани творчества Дмитрия Конрадта и Лики Федоренко. Дмитрий Конрадт, начинавший как представитель петербургской рок-фотографии, занимается цветными снимками с конца 80-х годов. В своих работах он стремится поймать и передать тонкое отношение цветов и света, наблюдение за цветом на грани его исчезновения. Лика Федоренко принадлежит к тем художникам, в чьих работах запечатлеваются не формы внешнего мира, а прохождение времени сквозь них. Проект "Река под рекой" стал для нее возвращением в художественное пространство после длительного отсутствия Выставка "Река под рекой" будет работать в галерее "КвадраТ" до 27 ноября.

30 ноября -1 В Санкт-Петербурге пройдет выставка художников "Жемчужины Ленинградской области". С 1 по 15 ноября в выставочном зале Ленобласти "Смольный" будет работает отчетная выставка пленэрных работ художников-педагогов художественных школ и школ искусств области. Здесь будут выставлены творческие работы более 50 художников. Экспозиция раскрывает перед зрителями красоту и суровость Ивангородской крепости, бастиона русской земли, широту о мощь полноводной реки Наровы, многоцветие лугов и полей северного края. Многочисленные работы выполнены в разных техниках. Выставка открывает творческий потенциал художников, поэтому экспозиция позволяет найти много художественных приемов, технических возможностей и эстетического восприятия в учебных целях. Ценность выставки в том, что на ней будут сочетаться как художественное, так и педагогическое направление, сообщает пресс-служба правительства Ленобласти.

30 ноября -1 В Санкт-Петербурге выставлены работы латышского фотографа Карлиса Лакше В Санкт-Петербурге с 28 октября по 19 ноября проходит выставка классика латышской фотографии Карлиса Лакше (1892-1949), сообщили корреспонденту ИА REGNUM в МИД Латвии. Экспозиция организована Государственным Центром фотографии России в сотрудничестве с генеральным консульством Латвии в Санкт-Петербурге, а ее начало приурочено к открытию выставочного зала центра. Как отмечают в МИД, Лакше является одним из выдающихся латышских фотомастеров, в работах которого "увековечены люди независимой Латвии 20-40-х годов прошлого века, а также поэтическая атмосфера того времени".

30 ноября -1 В Санкт-Петербурге открылась выставка «Рисуют дети Осетии» В Государственном музее Санкт-Петербурга открылась выставка «Рисуют дети Осетии». На ней представлены 220 работ наших юных талантов. Для участия в этом ярком культурном событии в Санкт-Петербург выехала делегация из Северной Осетии. Кроме того, на открытии была показана концертная программа, которая познакомила гостей музея с музыкальной и хореографической культурой Осетии.

30 ноября -1 Тарковский сделал из Рублева католика Тысячи исследований и публикаций о жизни иконописца Андрея Рублева основаны всего на трех летописных упоминаниях о нем. 17 июля исполнятся 600 лет со дня первой исторической записи о первом гении русской живописи. О верности исследований и достоверности трактовки образа Рублева режиссером Андреем Тарковским Стране.Ru рассказал заведующий сектором церковной археологии Центрального музея древнерусской культуры и искусства имени преподобного Андрея Рублева Олег Ульянов. Три даты Андрея Рублева В официальном делопроизводстве, к которому относятся и русские летописи, как правило, не встречаются сведения о рядовых участниках исторических событий. За редким исключением, в них находили отражение лишь государственные деятели и некоторые официальные лица из придворной свиты. Таким редким исключением и оказался великий художник Древней Руси преподобный Андрей Рублев. Подчеркну, что с Рублевым связано всего три точно датированных документа. Первый из них - летописное упоминание, что в 1405 году расписывался храм Благовещения "на князя великого дворе". В нем в числе соработников Андрея Рублева названы два мастера: "иконник" Феофан - известный византийский художник Феофан Грек, бывший в это время на Руси, и старец Прохор с Городца. Таким образом, самое раннее упоминание об Андрее Рублеве связано с работами по украшению домового храма во дворце великого князя, что укладывается в этикетную традицию официального делопроизводства. Весьма примечательно, что рядом с именем Рублева упомянут его статус "чернец", то есть инок, монах. Сам по себе это уникальный факт для исторических документов позднего средневековья, вот почему именно данное упоминание принято за основную дату жизни иконописца. Причем, исходя из того, что в летописном источнике Андрей Рублев назван всего лишь третьим по счету, некоторые историки полагали, что в этой коллегии мастеров-иконописцев он находился в "учимом", младшем чину, то есть на уровне подмастерья. Однако такой взгляд совершенно неверен и противоречит историческому контексту. Второе летописное известие повествует о работе Андрея Рублева в 1408 году над росписью кафедрального храма - белокаменного Успенского собора во Владимире, где в то время была резиденция (седалище) главы Русской Православной Церкви. Здесь Андрей Рублев упомянут вместе с Даниилом "иконником" (Даниилом Черным, как еще иногда его называют) вновь в связи с выполнением ответственного заказа "государственной важности". И, наконец, третье упоминание, также точно датированное, - это известное свидетельство из деяний Стоглавого собора 1551 года. Стоглавый собор - первый Собор Русской Православной Церкви, в повестку дня которого вошло решение насущных вопросов не только внутренней жизни Церкви, но и взаимоотношений Церкви и государства, неслучайно, проблематика заседаний была предопределена заранее на основе "вопрошаний" царя Ивана Грозного. К числу таких проблемных тем были отнесены и некоторые разночтения относительно толкования иконы Троицы. В результате Собором было принято каноническое решение считать за образец иконы, которые писали греческие живописцы, и вслед за греками единственным из всех иконописцев Древней Руси упомянут Андрей Рублев. ЮНЕСКО справило юбилей на 45 лет раньше Таким образом три названных документа являются своего рода канвой творческой биографии Андрея Рублева, на которой и построено бесконечное число исследований и интерпретаций. Стоит отметить, что 600 лет Рублева уже отмечалось в культурной традиции и в истории нашего государства. Это имело место в 1960 году, когда ЮНЕСКО было принято решение о всемирном праздновании 600-летия со дня его рождения. Но тогда присутствовала всего лишь условная дата, поскольку по источникам так и не удалось проследить, когда именно родился Рублев. Тем не менее, основываясь на целом ряде косвенных доводов, историками того времени был назван 1360 год в качестве наиболее вероятной даты рождения знаменитого иконописца. К этому юбилею было приурочено официальное открытие Музея-заповедника имени Андрея Рублева - первого в истории специализированного музея по русской иконописи - на месте Спасо-Андроникова монастыря, где он подвизался всю жизнь как простой монах и нашел свое последнее пристанище. Остальные источники, связанные со знаменитым иконописцем, в которых отчасти освещается его творческий путь, не имеют строгого документального характера. Они относятся к жанру церковной письменности, к житийной литературе, поэтому в них подчас можно обнаружить некоторые типичные места, общеупотребительные для многих святых. И в то же время этот житийный компендиум сохранил для нас ценнейшие сведения, позволяющие глубже взглянуть на земной путь Рублева, на его монастырское послушание и на ту историческую роль, ту высокую оценку, которую ему вынесла Церковь. Иконы по цене деревни Первым, кто стал собирать сведения об Андрее Рублеве, был Иосиф Волоцкий, крупнейший церковный и государственный деятель, сыгравший заметную роль в истории Руси на рубеже XV-XVI веков. Он ездил по многим русским монастырям, где застал еще некоторых свидетелей жизни выдающегося иконописца. Конечно же, собирал он и иконы великого мастера. Так, наиболее ранние сообщения об иконах Андрея Рублева мы находим именно в описях монастыря, основанного преподобным Иосифом. Только из документов Иосифо-Волоцкого монастыря стало известно, что иконы рублевского письма почитались очень высоко, а стоимость таких икон уже в то время даже приравнивалась к цене нескольких деревень. Весьма характерно, что в наши дни лишь два имени известны во всем мире как вершины русской иконописи - Андрей Рублев и Дионисий, и последний, вне всякого сомнения, продолжатель рублевской традиции. Именно Дионисий вместе с двумя сыновьями - Феодосием и Владимиром - был приглашен Иосифом Волоцким для росписи монастырского собора, причем, от Феодосия игумен Иосиф получил в подарок рублевские иконы. Как видим, иконы обоих мастеров обладали несомненной ценностью и для их современников. Например, в источниках зафиксирован факт расхождения между местной властью в лице волоколамского князя и настоятелем Иосиофо-Волоцкого монастыря. Князь лично пожаловал в монастырь и отступился от своих требований только тогда, когда ему были пожертвованы волоцким игуменом три иконы "Рублева писма Андреева". Этот исторический факт очень знаменателен, ведь события имели место в пределах небольшого временного промежутка. В конце 20-х годов XV века почил иконописец, а уже в конце столетия разнеслась земная слава о его творениях, и его иконы неимоверно возросли в цене. Следует полагать, что значимость Андрея Рублева для своего времени была во многом обусловлена иконой Живоначальной Троицы, написанной по благословению митрополита Киприана "в похвалу" преподобного Сергия Радонежского, "игумена Земли Русской". Эта чудотворная икона фактически спасла истерзанную Русь, помогла собрать ее воедино, поскольку главной идеей, которая легла в основу создания образа Троицы, стал провозглашенный преподобным Сергием призыв: "Дабы воззрением на Святую Троицу побеждался страх ненавистной розни мира сего". Можно говорить о том, что в эпоху Сергия Радонежского была найдена наша национальная идея, которую воплотил образ Троицы Андрея Рублева. Заметьте, что после большевистского переворота, когда начались гонения на Русскую Церковь, вновь вспомнили об этом призыве преподобного Сергия, и священник Павел Флоренский у стен Троице-Сергиевой лавры снова его повторил, призывая сограждан очнуться от безбожного угара, не поддаваться кампании "по низвержению небес". В те "окаянные дни" из уст отца Павла Флоренского прозвучала знаменитая фраза, которая стала крылатой: "Есть Троица Рублева, следовательно, есть Бог". Тарковский, страсти и Рублев Конечно, сегодня для большинства наших современников личность Андрея Рублева, скорее, связана с нашумевшим фильмом Андрея Тарковского "Страсти по Андрею" (в советском прокате "Андрей Рублев"). Но уже в самом авторском названии задан характер фильма. Кроме того, заслуживает внимания такой малоизвестный факт, что во время работы над фильмом у Тарковского на рабочем столе лежала книга о Франциске Ассизском. А потому неслучайно картина выдержана в жанре стациональных "страстей", более присущем западной культурной традиции. Но даже и при таком, западно-христианском аспекте трактовки жизни русского инока понятно, что идеи, которые воплощал доминировавший в фильме образ рублевской Троицы, свидетельствуют, что от Троицы должен был быть переход к духовному возрождению, к национальному подъему, каким стала Куликовская победа. Как известно, лишь финансовые затруднения не позволили режиссеру отснять ключевой эпизод о Куликовской битве. Знаменательно, что празднование 600-летнего юбилея Андрея Рублева совпало с 625-годовщиной Куликовского сражения. То, что съемки проходили и в древнем Спасо-Андрониковом монастыре, на месте, действительно связанном с преподобным Андреем Рублевым, помогло режиссеру сохранить документальную фактуру и добиться яркого художественного воплощения образов. Между тем, зритель не часто обращает внимание на то, что в фильме художественная артель, которую возглавлял Андрей Рублев, изображена в духе странствующих францисканцев. И бродят бедные монахи по разоренной Руси, раздираемой междукняжескими удельными смутами, в поисках своих личных заказчиков. А через картины таких "странствий" раскрывается жизнь и талант Андрея Рублева. Конечно, для режиссера это был удачный ход, чтобы с помощью земных странствий изобразить "странствия Духа" и тем самым показать разные стороны жизни Руси того времени. Но ведь реальность была совершенно иной. Хорошо известно, что по первым монастырским уставам монаху было строжайшим образом запрещено свободно переходить из одного монастыря в другой. Да и невозможно представить иначе. Разве смогло бы взрасти то древо русских монастырей, которое появилось вследствие неустанных трудов преподобного Сергия Радонежского, что в значительной степени облегчило государственную колонизацию неосвоенных земель. Само это древо никак бы не укоренилось, если бы монахи перебегали из монастыря в монастырь, свободно переходили и странствовали по белу свету, вдобавок, располагая личной собственностью. Монастырским Уставом подобные вольности категорически воспрещались любому монаху, а об Андрее Рублеве и говорить нечего, ведь его главную добродетель, согласно большинству источников, составляли смирение и послушание. Монашеский удел Всю свою жизнь Андрей Рублев подвизался как инок, причем инок именно Спасо-Андроникова монастыря. Об этом, кстати, мы знаем и из упоминаний в житийном источнике о его последней работе, которой стала роспись белокаменного Спасского собора Андроникова монастыря. Эту последнюю роспись, свое "конечное рукоделие" он выполнил в память о своих духовных отцах - первых игуменах монастыря Андронике и Савве. Здесь же, сразу же по завершении росписи, он и нашел свой последний земной приют. Волнующую многих тайну захоронения преподобного Андрея Рублева, о которой сложено немало легенд, удалось разрешить не так давно в результате моих археологических исследований в Спасо-Андрониковом монастыре. Было не только обнаружено точное место могилы всемирно известного иконописца, но и найдены захоронения его наставников под престолом древнего Спасского собора, и даже святые мощи, для освидетельствования которых была создана специальная комиссия по благословению Патриарха Алексия. Об этом сенсационном открытии уже сообщалось на ряде научных конференций, в прессе и на страницах академических изданий. Нужно сказать, что сам статус монастыря, который издревле находился в юрисдикции и митрополита, и великого князя, обусловил заказной характер работ Андрея Рублева, что укладывалось в рамки монашеского послушания, а вовсе не было "вольным художничеством", как это представил Тарковский. Столь очевидная западная трактовка свободного художника, вольного мастера явно не корректна. У нас на Руси многие иконы попросту безымянные, так что Андрей Рублев, в отличие от своих западных коллег, собратьев по живописному цеху, никак не мог иконы подписывать - и это, в свою очередь, существенно затрудняет работу нынешним искусствоведам. Как простой инок он не мог этого делать. Не потому что категорически запрещено подписывать иконы, а такое невозможно именно с точки зрения его социального статуса митрополичьего иконописца. Поэтому совершенно недопустима популярная интерпретация Рублева как свободного художника, создающего иконы на свой страх и риск, по собственному вдохновению. Весь полет его фантазии укладывался в том русле, которое определялось потребностями церковной жизни, церковной традиции. К сожалению, об этом социальном статусе в фильме Тарковского забыто, в результате и по сей день Андрей Рублев воспринимается в отрыве от исторического контекста. Напомним, что и в деяниях Стоглавого собора отмечено, "како греческие живописцы писали и как писал Андрей Рублев", тем самым подчеркнуто, что Рублев творил в рамках церковной традиции, которую иконописец никоим образом не мог перешагнуть. Неслучайно и само название "Живоначальная Троица", потому что до Рублева иначе писали откровение о Святой Троице. А он создает "по велению свыше" новую иконографию в рамках прежней традиции, свидетельствуя о возможности творить казалось бы в сухо регламентированных рамках церковного канона, оставаясь в послушании церковному священноначалию. Обет молчания Можно также добавить, что во многом его творчество определялось традицией исихазма. С ней связаны самые сокровенные образы православной иконописи, в том числе и творения преподобного Андрея Рублева, и русская иконопись смогла достичь столь значительных высот, в первую очередь, благодаря возрождению исихастской традиции на Руси. Сейчас уже не отрицается, что главные качества исихазма - безмолвие и молчание как единственно верный путь "внутреннего делания" - составляли стержень духовной жизни в монастырях эпохи преподобного Сергия Радонежского. Эти традиции незыблемо соблюдались и в Спасо-Андрониковом монастыре, поскольку и об Андрее Рублеве, и о его духовных отцах в житийных источниках сказано, что они очень любили - "любляше зело" - безмолвие и молчание. Кстати, этот факт нашел отражение в фильме Тарковского, но, опять же, в ином преломлении - когда Рублев взял на себя обет молчания под влиянием как бы смятений внешних чувств. Но, конечно же, во время создания этого фильма невозможно было иначе представить практику монашеского подвизания во "внутренней молитве", и даже особенности уставной монастырской жизни в фильме пришлось связывать с внешними событиями, а не с внутренними идеалами монашеской общины. Вот почему для освещения той далекой эпохи Тарковским был выбран условный документальный жанр с явным социальным акцентом, который будто бы и сформировал "творческое мышление" Андрея Рублева. Но подобные идеи явно продиктованы эпохой создания самого фильма, поскольку никакая цензура не позволила бы допустить маломальского проникновения вглубь православного богословия. Это и предопределило построение картины у Тарковского по пути внешней переклички с событиями текущей жизни, которые на самом деле не только не могли иметь место, но и вряд ли обеспечили бы жизненность и вековечность образов Рублева, какой обладает всякое истинное творчество. Андрей Рублев стремился создать вечное, постигая вечные тайны Церкви, какой является откровение о Святой Троице. А создавать вечное в текучке обыденного едва ли было возможно, вряд ли было достойно великого мастера русской иконописи.

30 ноября -1 Выставки Корпуса Бенуа с мая по декабрь 2005 года Корпус Бенуа приглашает посетить с октября по декабрь 2005 года следующие выставки: 29 сентября - 28 ноября. Валентин Серов в Русском музее. Выставка называется "Серов в Русском музее" и на ней представлены только произведения из собрания ГРМ. Посвящена она 140-летию со дня рождения В.А.Серова, но серовская музейная экспозиция не подвергнется изменению - живописные произведения останутся на своих местах, на выставке будет представлена графика, которой очень много в собраниях ГРМ и которая до сего времени практически не выставлялась. 7 ноября - 10 февраля 2006 г. Время перемен (Отечественное искусство 1960-80-х). Выставка должна показать современному зрителю предмет самых яростных споров в 60-80-е годы прошлого века. Показать, что считалось "официальным" и неофициальным" искусством (так называемым "андеграундом"). Два этажа выставки реконструируют эти формы искусства, существовавшие в России во второй половине ХХ века. Осень. Искусство Жостово. Выставка посвящена Жостову, знаменитому своими росписями металлических подносов подмосковному центру народного искусства. Русский музей обладает богатой коллекцией жостовских подносов. На выставке будут вещи XIX в. - сухарницы, трактирные подносы, дорогие подносы - панно, которые служили украшением интерьера, а также подносы советского периода 1930-1950-х гг.. Основная часть экспозиции - искусство Жостово 1970-х - годы расцвета народного промысла. Будут представлены уникальные авторские произведения заслуженных художников России Н.Л.Гончаровых, народных художников России Б.Графова и Н.Антипова и др. В выставке примут участие Государственный Эрмитаж, музей-заповедник "Петергоф", Жостовская фабрика и др. Осень. Круг художников. Выставка продемонстрирует историю известного ленинградского объединения "Круг художников" 1925-1932 гг. В него входили такие художники, как А.Самохвалов, В.Пакулин, А.Пахомов, А.Русаков, А.Почтенный и др. Своей творческой декларацией они провозглашали поиски "стиля эпохи", а в творческой практике ориентировались на высокий профессионализм, современный сюжет и пластический эксперимент. Конец года. Картина и мода. Выставка прослеживает историю моды, историю стиля "бытовой жизни" через изобразительное искусство. Адрес: город Санкт-Петербург, Набережная канала Грибоедова, 2 Проезд: Ст. метро "Гостиный двор","Невский проспект"

30 ноября -1 Филипп Казак "Между живописью и картиной" Творческое объединение "МАНСАРДА ХУДОЖНИКОВ" вновь приглашает на очередную ежемесячную выставку. На этот раз будет представлена персональная выставка Филиппа Казака "Между живописью и картиной". Выставка продлится с 7 ноября (красный день календаря) по 28 ноября 2005 года по самому известному адресу в Санкт-Петербурге, а именно Большая Пушкарская улица дом 7 (первый этаж с очень большими окнами). Филипп Михайлович Казак родился в Ленинграде 26 мая 1976г. Молодой, энергичный и бесспорно талантливый художник, Филипп Казак активный участник художественной жизни Петербурга. Вероятно, не одна выставка в СПб не проходит без его "вмешательства". Творческое объединение "МАНСАРДА ХУДОЖНИКОВ" предоставило для персональной выставки Филиппа Казака все свое выставочное пространство, Филипп, в свою очередь, не преминул им воспользоваться на 100%. Так что, в ближайшее будущее в "МАНСАРДЕ ХУДОЖНИКОВ" ожидается несметное количество ярких, светлых (кроме танка) и необычных картин. Кстати, не будет лишним сказать пару слов о творчестве Филиппа Казака - узнаваемый почерк, необузданный колорит, смелость линейных решений, оригинальное переосмысление банальностей и многое другое, о котором расскажут вам сами картины Филиппа. Естественно, мы понимаем заинтересованность ценителя искусства в профессионализме художника, и по этой причине приведем некоторые биографические данные Филиппа Казак! а - художественная школа 1, двухгодичный курс живописи у профессора Лино Марзулли в Милане, дипломированный выпускник СПбХПА, и самое главное - самообразование, самосовершенствование.

30 ноября -1 Открытие выставки фотографий Виктора Гинзбурга. 18 декабря 2005 года в 17.00 Музей сновидений Зигмунда Фрейда приглашает на открытие выставки фотографий Виктора Гинзбурга. На выставке представлены фотографии, сделанные автором в разное время в Испании, Америке, Мексике, Доминиканской Республике, России, Голландии, Латвии. Отобранные в этот раз работы посвящены женственности: переплетение тончайших нюансов, чарующая красота, неповторимость индивидуальности манят запечатлеть на пленке радость женской красоты. Виктор Гинзбург живет и работает в Бостоне с 1989 года. Это его третья выставка в Санкт-Петербурге и вторая в Музее Сновидений Фрейда. В профессиональной жизни Виктор занимается проблемами компьютерной защиты цифровых изображений и других медиа. Музей сновидений Зигмунда Фрейда Адрес: город Санкт-Петербург, Большой проспект Петроградской стороны, 18А Проезд: Ст. м. Спортивная Телефоны: (812) 235-2857

30 ноября -1 Рисунок и акварель в русском искусстве. Первая половина XIX века 27 октября в Михайловском (Инженерном) замке открылась выставка «Рисунок и акварель в русском искусстве. Первая половина XIX века Государственного Русского музея Кипренский, К.Брюллов Садовников Венецианов Воробьев ТеребеневВоробьев и44Это – вторая выставка проекта Государственного Русского музея «Три века русского рисунка». Она включает около 200 произведений из музейного собрания, ряд из которых экспонируется впервые. Полнота и значительность коллекции русского рисунка первой половины XIX века в собрании Русского музея позволяет представить экспозицию, отражающую все грани этого явления русского искусства. В первой половине Х1Х века графика представляет собой особую систему культуры. В ней работают как профессионалы, так и представители разных слоев общества, любящие и умеющие рисовать. В это время, рисунок, как более доступный вид творчества, становится одним из социально значимых средств общения, язык его понятен практически каждому члену общества. В сфере профессиональной мастерство рисунка русских художников достигает в первой половине Х1Х века уровня, порождающего легенды. О нем можно судить по историям, подобным той, которая повествует, как молодой пенсионер Академии художеств А.Егоров заслужил восторг европейцев, нарисовав на стене римского кафе фигуру человека целиком, не отрываясь, начав с пальца ноги. Мастерство российских художников в области рисунка было не менее известным, чем в области станковой живописи и, в какой-то мере, даже более популярным. Вероятно, потому, что жанр рисунка и акварели больше соответствовал состоянию мыслей и чувств людей той эпохи, которую принято называть «пушкинской эпохой». Такие признанные мастера, как О.Кипренский, К.Брюллов много работают в технике рисунка и акварели, создавая замечательные портреты своих современников - от легкого изящного наброска до полностью проработанного и законченного произведения. Акварельными и карандашными портретами, пейзажными видами, заказанными знаменитым живописцам, было принято в это время украшать гостиные. В моду вошли также альбомы, в которых не только писали стихи, но и рисовали, и рисовали художники знаменитые (Ф.Толстой). К концу ХУШ - началу Х1Х века рисование получает в России распространение и как общеобразовательный предмет, становится обязательной дисциплиной в учебных заведениях, причем преподаванием занимаются профессиональные художники. Начинается поистине всеобщая тяга к рисованию, породившая широкий круг художников-любителей, некоторые из них с течением времени превратились в профессионалов (П.Федотов). Любительский рисунок прочно занимает место в быту, наравне с музицированием, чтением, балами. Образованный человек первой половины Х1Х века не просто «мог держать карандаш в руках», он должен был уметь - и умел - рисовать. Потому появляется особый вид графики, получивший позже название: графическое наследие писателей. А.Пушкин, Н.Гоголь, В.Жуковский, М.Лермонтов, И.Крылов - для этих литераторов рисунок являлся как бы продолжением их литературного творчества, подчас повествуя о том, как рождались их литературные образы, либо свидетельствуя о процессе жизненных наблюдений писателя. Рисунок первой половины Х1Х века являет собой соединение аристократизма и демократичности. Обладая высокой исполнительской культурой, изяществом, мастерством, рисунок при этом обращается (причем достаточно оперативно) к самым многочисленным темам и сюжетам, волновавшим российское общество. А благодаря иллюстрации, литографии, гравюре, он становится доступным для самых разных членов российского общества. В начале Х1Х века, развивающиеся наука и промышленность требовали все большего количества людей, умеющих рисовать и чертить, а потому многие художники этого времени - служили. Например, знаменитый мастер акварельных портретов П. Соколов - в Кораблестроительном департаменте, а брат О. Кипренского А. Швальбе - в департаменте внутренних дел. Академия Художеств, пока не были созданы специальные учебные заведения, удовлетворяла потребности страны в подобных специалистах. Для самих же художников служба вне художнической среды являлась и возможностью соприкоснуться непосредственно с жизнью, подсказывая темы и образы для будущих произведений. Первая половина XIX века - время строительства многочисленных дворцов и усадеб, в проектировании которых принимали участие как известные архитекторы (Д. Кваренги, А. Воронихин, К. Росси), так и мастера, имена которых почти неизвестны в наше время. Но их эскизы свидетельствуют и о профессиональном мастерстве, и о виртуозности рисовальщиков, и об огромной культуре оформления жилых помещений. Дворцовое и усадебное строительство породило и самостоятельный раздел в истории графического искусства: акварельные виды дворцов и усадеб, а затем акварельные интерьеры. В Х1Х веке художники не разделялись на живописцев и прикладников: участие художника требовалось как при изготовлении карет, мебели, фарфора, так и бумаги с тисненым орнаментом. К сожалению, самих подобных эскизов почти не сохранило время, зато сохранились изделия, в проектировании которых принимали участие такие выдающиеся мастера, как А.Воронихин, К.Росси и др. Художники 18-19 вв. в большинстве своем были универсалами и могли, наравне с книжной графикой, рисовать, например, воинское снаряжение или эскизы для изготовления канделябров. В особый вид графики можно выделить документальные рисунки и акварели, создававшиеся в экспедициях и путешествиях по Сибири и Алтаю, Крыму и Кавказу. Зарисовывались быт и костюмы народов, населявших эти места, архитектура, пейзажи - ведь рисунок в то время заменял фотографию. Своеобразный тип видового пейзажа создан был братьями Г.и Н.Чернецовыми Однако, тщательная документальность, являвшаяся по началу сопротивлением академизму, не могла долго устраивать художников. Соприкосновение с природой обогащало творчество путешествующих, влияло на выразительность их языка (М.Воробьев), в результате на свет появлялись замечательные пейзажи, пронизанные глубоко личностным восприятием природы (А.Мартынов, И.Иванов ) Были сделаны попытки высвободить и бытовую тему - в самостоятельную (А.Венецианов «Петербургская серия»). А.Иванов в своих римских акварелях создал не просто жанровые сценки, а произведения с развитым сюжетом. Своеобразную изобразительную «энциклопедию Петербурга» 1830-1850-х годов создал В.Садовников. Раскрепощение личности, демократизм эпохи вызвали к жизни и многочисленные явления юмористической и сатирической графики, в которой работали И.Иванов, А.Венецианов, И.Теребенев, но подлинным королем шаржа в начале Х1Х века был А.Орловский ( Дж.Кваренги в виде амура, стреляющего из лука). 27 октября в Михайловском (Инженерном) замке открывается выставка «Рисунок и акварель в русском искусстве. Первая половина XIX века». Это – вторая выставка проекта Государственного Русского музея «Три века русского рисунка». Она включает около 200 произведений из музейного собрания, ряд из которых экспонируется впервые. Полнота и значительность коллекции русского рисунка первой половины XIX века в собрании Русского музея позволяет представить экспозицию, отражающую все грани этого явления русского искусства. В первой половине Х1Х века графика представляет собой особую систему культуры. В ней работают как профессионалы, так и представители разных слоев общества, любящие и умеющие рисовать. В это время, рисунок, как более доступный вид творчества, становится одним из социально значимых средств общения, язык его понятен практически каждому члену общества. В сфере профессиональной мастерство рисунка русских художников достигает в первой половине Х1Х века уровня, порождающего легенды. О нем можно судить по историям, подобным той, которая повествует, как молодой пенсионер Академии художеств А.Егоров заслужил восторг европейцев, нарисовав на стене римского кафе фигуру человека целиком, не отрываясь, начав с пальца ноги. Мастерство российских художников в области рисунка было не менее известным, чем в области станковой живописи и, в какой-то мере, даже более популярным. Вероятно, потому, что жанр рисунка и акварели больше соответствовал состоянию мыслей и чувств людей той эпохи, которую принято называть «пушкинской эпохой». Такие признанные мастера, как О.Кипренский, К.Брюллов много работают в технике рисунка и акварели, создавая замечательные портреты своих современников - от легкого изящного наброска до полностью проработанного и законченного произведения. Акварельными и карандашными портретами, пейзажными видами, заказанными знаменитым живописцам, было принято в это время украшать гостиные. В моду вошли также альбомы, в которых не только писали стихи, но и рисовали, и рисовали художники знаменитые (Ф.Толстой). К концу ХУШ - началу Х1Х века рисование получает в России распространение и как общеобразовательный предмет, становится обязательной дисциплиной в учебных заведениях, причем преподаванием занимаются профессиональные художники. Начинается поистине всеобщая тяга к рисованию, породившая широкий круг художников-любителей, некоторые из них с течением времени превратились в профессионалов (П.Федотов). Любительский рисунок прочно занимает место в быту, наравне с музицированием, чтением, балами. Образованный человек первой половины Х1Х века не просто «мог держать карандаш в руках», он должен был уметь - и умел - рисовать. Потому появляется особый вид графики, получивший позже название: графическое наследие писателей. А.Пушкин, Н.Гоголь, В.Жуковский, М.Лермонтов, И.Крылов - для этих литераторов рисунок являлся как бы продолжением их литературного творчества, подчас повествуя о том, как рождались их литературные образы, либо свидетельствуя о процессе жизненных наблюдений писателя. Рисунок первой половины Х1Х века являет собой соединение аристократизма и демократичности. Обладая высокой исполнительской культурой, изяществом, мастерством, рисунок при этом обращается (причем достаточно оперативно) к самым многочисленным темам и сюжетам, волновавшим российское общество. А благодаря иллюстрации, литографии, гравюре, он становится доступным для самых разных членов российского общества. В начале Х1Х века, развивающиеся наука и промышленность требовали все большего количества людей, умеющих рисовать и чертить, а потому многие художники этого времени - служили. Например, знаменитый мастер акварельных портретов П. Соколов - в Кораблестроительном департаменте, а брат О. Кипренского А. Швальбе - в департаменте внутренних дел. Академия Художеств, пока не были созданы специальные учебные заведения, удовлетворяла потребности страны в подобных специалистах. Для самих же художников служба вне художнической среды являлась и возможностью соприкоснуться непосредственно с жизнью, подсказывая темы и образы для будущих произведений. Первая половина XIX века - время строительства многочисленных дворцов и усадеб, в проектировании которых принимали участие как известные архитекторы (Д. Кваренги, А. Воронихин, К. Росси), так и мастера, имена которых почти неизвестны в наше время. Но их эскизы свидетельствуют и о профессиональном мастерстве, и о виртуозности рисовальщиков, и об огромной культуре оформления жилых помещений. Дворцовое и усадебное строительство породило и самостоятельный раздел в истории графического искусства: акварельные виды дворцов и усадеб, а затем акварельные интерьеры. В Х1Х веке художники не разделялись на живописцев и прикладников: участие художника требовалось как при изготовлении карет, мебели, фарфора, так и бумаги с тисненым орнаментом. К сожалению, самих подобных эскизов почти не сохранило время, зато сохранились изделия, в проектировании которых принимали участие такие выдающиеся мастера, как А.Воронихин, К.Росси и др. Художники 18-19 вв. в большинстве своем были универсалами и могли, наравне с книжной графикой, рисовать, например, воинское снаряжение или эскизы для изготовления канделябров. В особый вид графики можно выделить документальные рисунки и акварели, создававшиеся в экспедициях и путешествиях по Сибири и Алтаю, Крыму и Кавказу. Зарисовывались быт и костюмы народов, населявших эти места, архитектура, пейзажи - ведь рисунок в то время заменял фотографию. Своеобразный тип видового пейзажа создан был братьями Г.и Н.Чернецовыми Однако, тщательная документальность, являвшаяся по началу сопротивлением академизму, не могла долго устраивать художников. Соприкосновение с природой обогащало творчество путешествующих, влияло на выразительность их языка (М.Воробьев), в результате на свет появлялись замечательные пейзажи, пронизанные глубоко личностным восприятием природы (А.Воробьев ) Были сделаны попытки высвободить и бытовую тему - в самостоятельную (А.Венецианов «Петербургская серия»). А.Иванов в своих римских акварелях создал не просто жанровые сценки, а произведения с развитым сюжетом. Своеобразную изобразительную «энциклопедию Петербурга» 1830-1850-х годов создал В.Садовников. Раскрепощение личности, демократизм эпохи вызвали к жизни и многочисленные явления юмористической и сатирической графики, в которой работали И.Иванов, А.Венецианов, И.Теребенев, но подлинным королем шаржа в начале Х1Х века был А.Орловский ( Дж.Кваренги в виде амура, стреляющего из лука).

30 ноября -1 Михаил Александрович Воронцов. С детства две страсти - музыка и живопись. Михаил Воронцов работает в различных жанрах, но наибольшей любовью публики пользуются его городские пейзажи, которые, как и все его картины, отличают эмоциональная насыщенность, философская глубина мысли и умение видеть необычное даже в самых обыкновенных вещах. 12 персональных выстовок.

30 ноября -1 Геннадий Лавренюк. Жизнь художника и прочая ерунда. Художник Геннадий Лавренюк LAVR, Санкт-Петербург. Аспекты творческой деятельности художника: артсуггестив, живопись, графика, театр, литература. Театр Геннадия Лавренюка - наглядная метафора, лишний повод задуматься, когда мы играем, а когда действительно искренни. Автор, как горсть песка сквозь пальцы отсеивает самое чуткое и трогательно-загадочное, подносит к нашим глазам чувства героев давно забытых, заброшенных снов детства. Это и детство, и смерть в одном стилистически и композиционно идеальном хаосе эмоций, и весьма поэтичном хаосе. В парчовых рукавах Арлекинов тысячи карнавалов, тысячи ночей под балконами напудренных сказочных принцесс, тысячи тайн далекого средневековья. И в то же время рукава эти колышет ветер будущего, чего-то парадоксально нового. Некоторую искру вносит и фактура картин. Она такова, что каждый холст - живой лист, с прожилками, с сосудами, по которым, как может показаться, течет настоящая кровь, приносящая жизнь в мертвые лица, тонкие белые кисти рук, приносящая смысл, стирающая границу между тем, что было и тем, что еще будет.