Новости сайта

20 апреля 2006 Латунные детали культа. Ольга и Александр Флоренские – в Галерее Марата Гельмана Проект "Культовые сооружения" художников Ольги и Александра Флоренских осенью прошлого года показывался в Государственном музее истории религии в Санкт-Петербурге. Теперь его можно увидеть в Галерее Марата Гельмана в Москве. Тринадцать объектов, созданных из антикварных ящичков, шляпных коробок, рукомойников и прочей утвари, представляют собой модели храмов различных религий. "Все имеющиеся совпадения случайны", – оправдательно заявляет текст авторов. Для пущей политкорректности можно было лишить объекты подписей, чтобы возмущенные верующие, если таковые снова возникнут вблизи галереи Гельмана, терялись в догадках, какой именно объект оскорбляет их религиозные чувства и разжигает в них межконфессиональную вражду. Напомню, что выставочную деятельность Марата Гельмана преследует непонимание со стороны православно-патриотически настроенных граждан. На прошлогодней ярмарке "Арт-Москва" некий молодой человек атаковал работу Александра Косолапова, находившуюся на стенде Гельмана, а выставочный проект "Россия-2", проведенный в Центральном Доме художника, выдержал судебное разбирательство, инициированное группой возмущенных коллег. Тем не менее этикетки однозначно присваивают композиции из кофейника, термоса, конфетницы и мелких латунных предметов звание, например, мечети с минаретом, хотя и без подписи опознание не составило бы труда. Разве что в случае с антропософским храмом – нечасто встречающимся даже в книгах типом здания – архитектурные клише в памяти не отыскиваются. Вавилонская башня, православный храм, костел, зороастрийский храм, синагога, буддийская ступа и прочие сооружения – на полный перечень экспозиция не претендует, однако широта религиозного спектра несколько больше привычного набора конфессий из газетных новостей. Этикетки с подписями нужны еще и потому, что смысл всего происходящего лежит где-то около понятия "кунсткамера". А художники выступают здесь не в роли ищущих единственно верный путь спасения и даже не в качестве глумящихся атеистов. Они отстраненные наблюдатели и, вообще-то, говоря языком советского искусствоведения, формалисты. Александру и Ольге Флоренским просто нравится собирать старые вещи, загромождать ими свою дачу, а потом лепить из них удивительные объекты вроде якобы найденных проектов талантливого изобретателя-самородка или топографических карт Петербурга из палочек, трубочек и веревок. По заявлению четы соавторов, этот проект является первым из новой серии экспозиций с общим названием "Универсальный музей Вильгельма Винтера": Александр и Ольга Флоренские затеяли вольную реконструкцию некоего кабинета редкостей, существовавшего, по их словам, в Санкт-Петербурге в конце XIX века. Добродушные, как и положено "митькам" (а Александр Флоренский – один из отцов-основателей этого легендарного питерского сообщества), художники умудряются даже столь острую на текущий момент тему, как многообразие мировых религий, обыграть невинно и с лукавой усмешкой. Любовно, с теплом подобранный материал и почти тактильное удовольствие от нагромождения старых вещей, латунных деталей, простых форм сводят на нет всю потенциальную провокативность затеи. Становится ясно, что "митьки" по-прежнему "никого не хотят победить". Только марка политтехнолога и галериста Марата Гельмана, под которой происходит выступление питерских художников в Москве, заставляет от умиления переходить к размышлениям о свободе совести. Точнее – о ее последствиях.

18 апреля 2006 Екатерина Мнацаканян. Фотопроект "Первородство". Фотопроект "Морфология взаимосвязей" Школа фотографии "Петербурсгкие фотомастерские" в качестве информационной поддержки представляет ВЫСТАВКУ ФОТОПРОЕКТОВ выпускницы Школы фотографии "Петербургские фотомастерские". Фотопроект «Первородство» Человек без лица. Маска. Кто более реален. Где и когда мы снимаем маски. И что есть наша суть?…. Фотопроект «Морфология взаимосвязей» Ощущение мимолетности и свободного пространства. Оно не принадлежит никому. Оно пусто. И мы - лишь секундный слепок вечности. Тени - то, что остается. Екатерина Мнацаканян Выпускница Школы фотографии "Петербургские фотомастерские" 2004-2005 года. Участие в выставках: Январь - февраль 2006. Петербург - Москва "РЕШАЮЩЕЕ МГНОВЕНИЕ" Жанровая фотография ЦВЗ "Манеж" Ежегодная выставка "Петербург-2005", Центральный Дом Архитектора Москва. Кураторы выставки: Ольга Корсунова, Евгений Мохорев, Солмаз Гусейнова Лариса Гринберг Сентябрь 2005. 10-я Санкт-Петербургская ФОТОЯРМАРКА участник экспозиции журнала Digital photo Июль 2005. Итоговая выставка учебного года Школы фотографии "Петербургские фотомастерские". Кураторы: Наталья Захарова, Людмила Григорьева. Музей "Ниеншанц", СПб Июнь 2005. Итоговая выставка Международной летней фотошколы "Петербургские фотомастерские" Библиотечно-информационный и культурный центр по искусству и музыке (БИКЦИМ) Библиотеки им. В.В. Маяковского. Невский, 20 Март 2005. Выставка "Двое". Куратор: Ольга Корсунова. Организатор: Государственный центр фотографии (ГЦФ). Выставочный зал "Цветы", Санкт-Петербург, Куратор выставки: Ольга Корсунова Февраль 2005. "ИГРЫ С ПРОСТРАНСТВОМ", "П О Р Т Р Е Т" Совместный проект Государственного центра фотографии и ТРК "Петербург" - Пятый канал. Куратор выставки: Ольга Корсунова Январь 2005. Молодая фотография Петербурга, Манеж "Игра в ассоциации" Куратор выставки: Ольга Корсунова Сентябрь 2004. 10-я Санкт-Петербургская ФОТОЯРМАРКА Экспозиция журнала Digital photo - первое место в номинации "Жанр" Сентябрь 2004. 10-я Санкт-Петербургская ФОТОЯРМАРКА Участник итоговой фотовыставки "Мой Кэнон" Осень 2004г. Выставка "Северная Пальмира 2004" Дом журналиста Санкт-Петербург Кафе "Книги и Кофе" Санкт-Петербург, 6-я Советская ул., д. 25 Открытие выставки 15 АПРЕЛЯ в 19.00

18 апреля 2006 Выставка Владимира Шинкарева "Внутреннее кино Галерея современного искусства Anna Nova 28 апреля - 10 июня 2006 года В 2001 - 2006 годах Владимир Шинкарев написал 38 картин о кино. Как череда кинокадров вся серия линией опоясывает стены галереи, словно бы вычерчивая силуэт кино - искусства, в котором лучше всего воплотился образ ХХ века. По кадрам кинофильмов мы ретроспективно воссоздаем исторические события и характеры: революцию 1905 года и героя Чапаева, лихорадочный разврат Веймарской Германии и жесткие будни послевоенных итальянских окраин, XVIII век Казановы через черные очки сексуальной революции рубежа 1960-70-х, витрину капитализма в виртуальной реальности Бэтмэна, - кинореальность замещает жизнь и фантазию. Если правда, что нашей истории и нам самим предпослана идея, предшествует образ, то динамичному ХХ веку несомненно предшествовала идея кинематографа, а не станковой живописи. Однако Шинкарев как раз не стремится точно повторить сцены из знаменитых фильмов, он пишет картины "внутреннего кино", того, которое недоступно взору и ведет свою напряженную и почти уже метафизическую жизнь. Метафизическую, потому что живопись серии бесплотна, как экранная проекция. Она представляет не мизансцены и персонажей хитов мирового кинематографа, а струящееся сияние едва окрашенных световых лучей, несущих образы из аппаратной к экрану. Кинокультура как целое предстает здесь областью теней, "шепотов и криков". Ушедший век был веком авангарда, и Шинкарев - один из немногих художников, кто еще помнит о том, что это может означать. Большинство ведь давно уже не задумывается, почему надлежит всеми способами эпатировать публику, от грубых оскорблений до тонких издевательств, и механически исполняет разработанные в 1910-х годах авангардные ритуалы. Шинкарев наоборот не может забыть, что одним из побудительных мотивов авангарда было честное отношение к культуре и обществу, которое эту культуру создало и охраняет, осознание того, что ценности культуры мертвы, то есть в повседневной действительности бессильны, непригодны и по сути запредельны. Эта жизненная проблема авангарда, это "Возропщу!" всегда слышалось в произведениях Шинкарева от прозы и стихов "Максима и Федора" до нынешнего "Кино". Екатерина Андреева ведущий научный сотрудник Отдела новейших течений Государственного Русского музея Владимир Шинкарев родился в 1954 году в Ленинграде. Окончил геологический факультет Ленинградского Государственного Университета. Учился на курсах при ЛВХПУ им. Мухиной и институте им. Репина. В 1985 году книга В. Шинкарева "Митьки" положила начало движению Митьков. Работы находятся в собраниях Государственной Третьяковской Галереи, Государственного Русского Музея, Государственного Эрмитажа, Центрального выставочного зала "Манеж" (Санкт-Петербург), Музея истории города (Санкт-Петербург), Музея Виктории и Альберта (Лондон), Коллекции Нортона Доджа (Zimmerly Museum, Нью-Джерси, США), и в многочисленных частных коллекциях в России и за рубежом.

18 апреля 2006 Выставка Бориса Савельева «КВАДРАТЫ. 1974-1984» Государственный центр фотографии представляет выставку Бориса Савельева «КВАДРАТЫ. 1974-1984» 26 апреля – 21 мая 2006 Выставочный зал Государственного центра фотографии Как творчество любого значимого художника можно рассматривать состоящим из глав - часто как работ раннего периода и работ периода, охватывающего более поздний творческий отрезок времени, так созданное за более чем три десятилетия Борисом Савельевым — это два серьезных творческих этапа. Каждый представляет собой мощную фотографическую историю, одну от другой не отделимую, одну другой взаимодополняющую, — историю черно-белую и цветную. Понять значимость и той и другой во всем объеме и полноте можно при условии адекватного осмысления данного фотографического материала. Применительно к Савельеву под этим — в окончательном умозаключении — следует понимать обоснованное право на творческую исключительность. Оно есть следствие, не осуществимое без обязательного представления себе фотографического контекста и его тщательного анализа по состоянию на время непосредственной творческой активности автора и одновременно исторической значимости этой активности в границах визуального искусства в целом. Савельев эти величины уравнял, чем обусловил свою неповторимость. Охватывая три десятка лет творчества, истоки нынешнего положения мастера в мировой фотографии следует прочитывать в осознанной, динамичной творческой непрерывности. В основе ее несомненным вкладом лежит весомая первая часть — период с 1974 по 1985 гг., в течение которого фотографом были созданы работы, называемые им «черно-белые квадраты». К ним относится серия «Маленький человек» (1974-79) и серия «Красная стрела» (1980-85).                                                                                                                             Дмитрий КИЯН «Современная российская фотография», глава «Борис Савельев» Государственный центр фотографии Ул.Большая Морская, д.35, Санкт-Петербург Тел. 3141214 www.ncprf.org,   office@ncprf.org Борис Савельев родился в 1947г. Фотографией начал интересоваться в 1963. В 1972 окончил Московский Авиационный Институт. Работал инженером. С 1982 работал, как "внештатный Фотограф" для некоторых издательств в СССР и за границей. В настоящий момент его интересуют только собственные проекты. В практике он использует различные Камеры, предпочитая «Leica M3 50mm» и цифровую «Sigma SD9» . Фотографии печатает, используя и традиционные, и альтернативные (Платина, Гуммиарабик, Лит/Lith) способы. Персональные выставки: 1978 Издание журнала “ советская Фотография ”, Москва 1979 Музей фотографии Каунас, Литва 1981 Музей фотографии Shauliay, Литвы 1992 Третьяковская Галерея, Москва 1993 Музей Фотоколлекций, Москва 1994 Государственный музей “Художественная Галерея”, Калининград 1995 Галерея "mBochum" Бохум, Германия 1996 Музей Saarland , Saarbruken, Германия 1997 Русский Музей, S.Peterburg 1999 "ifa-Galerie" Бонн, Германия 2000 "ifa-Galerie" Берлин, Германия, Kunsthaus, Дрезден, Германия, Государственный Музей Искусства, Kottbus, Германия, Школа Искусств, Leer Германии 2001 Anahita Галерея, Санта-Фе, США, Московский Дом Фотографии, Москвы, Россия 2002 "Третьяков Голлерай" Government вознаграждение, Москва 2003 "Прекрасная Художественная Галерея" Университет Wupprtal Германия, Anahita Галерея, Санта-Фе, США Групповые выставки: 1986 “МОМА”, Оксфорд, Англия 1987 “City Light” Галерея Ювелира, Лондон, “Valokuuva” Галерея, Хельсинки 1988 “Современная советская Фотография ” музей искусства, Оденсе, Дании, “Скажите сыр” галерея “Современная фотография”, Париж 1989 "Photostrojka" Галерея Burden, Нью-Йорк, “Что является Фотографией? 150 Годовщина Фотографии” Манеж, Прага 1990 “Изменяющаяся Реальность ” Музей Коркорана, Вашингтон, округ Колумбия США 1991 “Рой Бойд Галерея”, Чикаго, США 1992 “Музей искусств ”, Санта-Фе, США 1993 “Uber Der grossen Stadte ” NGBK, Берлин 1994 “Современная фотография” Дом Художника, Москва 2001 “ Художественный Музей” Висбаден, Германия, Месяц Фотографии, м. fotografie, Париж 2002 "Calcogragie Nacional", Мадрид, Испания, Месяц Фотографии, м. fotografie, Париж 2003 Месяц Фотографии, м. fotografie, Париж Основные публикации: 1978 Советское Фото 1979 Советское Фото 1984 Русское Искусство в Украинских Музеях Mistectvo, Киев 1985 Советское Фото, Foto DDR 1986 Другая Россия, Thames&Hudson, Лондон, Cheskoslovenska fotografie, Creative Camera, Лондон 1988, Boris Savelev, Secret City, Thames&Hudson, Лондон, Ревю fotografie 88 1989 Aperture “Photostrojka” NY.USA 1991 World&I Вашингтон. США, Changing Reality. США 1993 Uber de grossen Stadte. Берлин 1995 Contemporary Photographers SJpress Лондон 1999 Momente der dauer Бонн, Hot Shue Лондон 2000 Bauwelt Берлин, Бреннпанкт Мэг Берлин, Photography Now Берлин, PhotoNews Гамбург 2001 “Madrid torno эль-Sol” Цифровое Портфолио, Calcografia NationalМадрид 2003 Stationen des Augenblicks/Университет Вупперталя, Германия, Factum-arte, Мадрид Основные собрания: Музей Corcoran Вашингтон США DG Банк Франкфурт Германия Музей прекрасного Искусства, Санта-Фе. Нью-Мексико, США Саарский Музей, Saarbruken Германия Staatgalerie Штутгарт Прекрасный художественный музей, Котбус, Германия Третьяковская Галерея Москва Государственный “Русский Музей” S.Petersburg Государственный Музей "Художественная Галерея" Калининград, Россия MBochum Галерея, Бохум Германия Anahita Галерея, Санта-Фе США Галерея Роя Бойда Чикаго США Calcografie Nacional, Мадрид, Испания Государственный Музей "Дом Фотографии ", Москва, Россия Factum-arte, Мадрид, Испания Университет Вупперталя, Вупперталь, Германия Частные Коллекции.

13 апреля 2006 Джон Леннон посетит Metro В нью-йоркской галерее Metro Pictures вызывают дух великого музыканта Джона Леннона, сообщает Artinfo.com. Акция, придуманная итальянским художником Джанни Мотти, проходит с 1 по 29 апреля. Она состоит в том, что специально приглашенный медиум "общается" с духом Леннона в полностью изолированном от внешнего мира пространстве галереи. Все проиходящее в галерее транслируется через вэбкамеру здесь. Решение о полной изоляции медиума было принято через сорок минут спиритического сеанса, в которые Леннон "связался" с медиумом и сообщил, что посетит галерею во время выставки. Идея акции основана на легендарном обещании всех четырех музыкантов группы Beatles, сделанном в 1960-е годы. Они заверили друг друга, что обязательно дадут о себе знать из потустороннего мира. С момента насильственной смерти Леннона от руки сумасшедшего Марка Чэпмена прошло 26 лет. В недавних интервью Пол Маккартни говорил, что до сих пор ждет от него весточки. Художник Джанни Мотти известен скандальными акциями и перформансами. Его работа "Intervention", сделанная в 1997 году, состоит из нескольких сюжетов новостной телехроники, в каждый из которых он попал, преследуя съемочную группу по городу.

12 апреля 2006 "Хогарт, Хокни и Стравинский. Похождения повесы" в Эрмитаже С 16 мая по 23 июля 2006 года Государственный Эрмитаж представляет выставку "Хогарт, Хокни и Стравинский. Похождения повесы". Вы думали о том, как странно устроен этот мир? Ежечасно развиваясь и меняясь во внешних проявлениях, он остается неизмененен по своей сути. Низменные желания - рождаются ли они в человеке под воздействием обстоятельств и общества или просто спят в каждом из нас, готовые к пробуждению, чтобы перерости в тяжелые пороки - тщеславие, мотовство, распутство? ... И есть ли у людей силы бороться с этим? Чтобы понять, мы оглядываемся назад, через столетия... всматриваемся в то, что к нам пришло из прошлого в первозданном состоянии - тексты, рисунки, предметы быта, и сравниваем это с настоящим. На выставке, которую Государственный Эрмитаж и Британский Совет представляют совместно с Институтом Про Арте, Вы сможете не только ясно увидеть, как человек неизменен в своих желаниях, но и то, как меняется его отношение к ним. В этом Вам помогут работы трех творцов из различных эпох, объединенных одной сюжетной линией - "Похождения повесы". Первый - Уильям Хогарт (1697-1764) - знаковая фигура для искусства Британии. Гравер, живописец, карикатурист XVIII века, в своих работах он отобразил яркие и драматические сцены из повседневной жизни Англии, пережившей буржуазную революцию. Сценичность и реализм его гравюр погружают в Англию времен нуворишей и увядшей аристократии, в контрасты современного художнику Лондона. В представленных на выставке гравюрах изображена жизнь юноши - богатого наследника, отвергающего мораль. Он проматывает состояние, доставшееся ему от отца, кочуя из борделя в бордель, и заканчивает свою жизнь в Бедламе, лондонском приюте для умалишенных. Где, как последняя надежда на духовное спасение, девушка-крестьянка протягивает руку нечестивцу, облегчая его последние муки. Время и персонажи, переданные английским художником немыслимо точно, спустя века поразили композитора Игоря Стравинского (1882-1971), переехавшего из послевоенной Европы в сравнительно благополучную Америку и увидевшего, благодаря гравюрам Хогарта, сходство между Лондоном XVIII века и Нью-Йорком 50-х. Стравинский считал, что "настоящим делом художника является ремонт старых кораблей, он может повторить по-своему лишь то, что уже было сказано". Поэтому, взяв за основу увиденный сюжет, он написал единственную в своей жизни полномасштабную оперу "Похождение повесы" на либретто британцев Уистена Одена и Честера Колмена. Отчасти благодаря Одену, но в основном благодаря изменившемуся со времен Хогарта мировоззрению, опера не содержит в себе того морализаторства и прямолинейной выразительности, которых в достатке на гравюрах. Неоклассическое по стилю произведение превращает главного персонажа в трагического героя, придавая ему шарма и неоднозначности. Отрывки из оперы будут представлены в день открытия выставки ансамблем Института ПРО АРТЕ в Эрмитажном театре. Дэвид Хокни (р. 1937) - третий художник, представленный на выставке, интерпретировал содержание работ Хогарта и Стравинского с точки зрения бунтарских 60-70-х., придав им свойственную тому времени эстетическую остроту, но лишив еще большей части морализаторства. Ведь Хокни, как никто из предшественников, мог соотнести себя с персонажем "Похождений повесы". Дэвида Хокни относят к числу британских прародителей поп-арта наряду с легендарным Энди Уорхоллом, он входит в десятку самых высокооплачиваемых художников планеты и прославился не только в живописи и графике, но и в создании театральных декораций, фотографий и гравюр. По опросу радиостанции BBC Radio 4 и Национальной Галереи 2005 года сатирическая гравюра из серии "Похождения повесы" входит в десятку самых любимых британцами произведений искусства, а Дэвид Хокни остается одним из самых востребованных художников. Тема безумных денег, славы и безграничной власти звучат как никогда более актуально. Посетите выставку, и благодаря таланту представленных на ней художников вы сможете заглянуть не только в прошлое, но и в свое Я.

12 апреля 2006 Выставка Кати Медведевой в Мраморном дворце Государственный Русский музей, Музей Людвига приглашает посетить выставку живописи и графики Кати Медведевой, посвященную 30-летию творческой деятельности. В Мраморном дворце Государственного Русского музея открылась персональная выставка московской художницы Екатерины Медведевой, на которой будет представлено около 80 работ 1970-х - 2000-х годов. Уже более 20 лет она известна в художественном мире как Катя Медведева, представительница наивного направления в искусстве. Ее картины хранятся в государственных музеях России, в галереях современного искусства Германии, Франции, США, Японии и во многих частных коллекциях. 2006 год - это юбилейный год для Кати Медведевой и почитателей ее таланта - исполняется 30 лет ее творческой деятельности. Катя Медведева родилась 10 января 1937 г. в с. Голубино Новооскольского района Белгородской области в крестьянской семье. После смерти родителей, с 1947 по 1954 гг. воспитывалась в детском доме №2, в г. Шуша Нагорно-Карабахской автономной области Азербайджанской ССР. Закончила фабрично- заводское училище города Баку, и одиннадцать лет (с 1954 г.) проработала на ткацкой фабрике. Долгие годы вела "кочевую" жизнь, переезжая с места на место. Катя не училась специально живописи. Впервые она попробовала рисовать гуашью в 1976 году, в возрасте 39 лет, и создала свой первый рисунок "Хлеб насущный". 10 апреля того же года открылась ее первая персональная выставка в Клубе работников торговли в Кисловодске, где было представлено 37 рисунков. С того времени прошло множество персональных выставок в России и за рубежом Дважды работы Кати Медведевой выставлялись в Ницце, выставку устраивал профессор-славист, известный коллекционер русского искусства Ренэ Герра, и картина "Белые ночи Старой Ладоги" вызвала живой интерес. На эту работу обратил внимание Марк Шагал, который, по просьбе коллекционера, купившего картину, написал на холсте, под фамилией художницы: "Катя Медведева - это чисто русский талант. Она так же любит цвет, как и я". С 1999 г. К.Медведева постоянно живет и работает в Рязанской области сначала в деревне Анемнясево, а с 2005 г. в с. Перво, Касимовского района. В экспозиции в залах Русского музея будут представлены работы из частных коллекций, - "Ангел - Алина" (1989), "Убиенная Царская семья", "Девушка № 4", "Король подсолнух", "Это тоже Россия. Город Касимов и его жительница" (2003), "Сиреневые танцовщицы", "Архангел Михаил", "Касимовская невеста", "Страдания моей матери", "Лебединое озеро", "Праведники на страшном суде", произведения из "Коллекции на черном бархате", и другие работы, некоторые из них демонстрировались на выставках в странах Западной Европы и в 2004 г. в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина. Творчество Кати Медведевой коллекционер ее работ Григорий Пельман называет "живописью обнаженной души".

10 апреля 2006 Место красит художника. Биеннале в Берлине Искусство сегодня способно на многое, но вряд ли кто решится заподозрить в нем лишь некрофила и меланхолика, а не громкого резонера или хотя бы клоуна. Но кураторы Четвертой берлинской биеннале современного искусства решили посмотреть на современность под непривычным углом: они отменили концепцию и положились лишь на собственный вкус. Точности такого решения, абсолютно устроившего счастливую публику, удивлялся специально для Ъ АЛЕКСЕЙ Ъ-МОКРОУСОВ. Жилые квартиры и обычный офис, бывшие почтовые конюшни и строительный контейнер посреди улицы, евангелическая церковь и даже старое гарнизонное кладбище – в отборе выставочных пространств фантазия кураторов Берлинского биеннале не знала границ. Если можно было представить себе место, где искусство непредставимо, значит, оно там есть. Публике предложено утешаться тем, что все эти пространства расположены практически на одной улице – Аугустштрассе, знаменитой скоплением арт-галерей, да и входные билеты здесь практически отменили – их спрашивают лишь на двух выставках из дюжины: на Фабрике искусств "Кунстверке", главном экспозиционном пространстве, и в бывшей школе для еврейских девочек. А, например, труд участника последней Венецианской биеннале Тони Зегаля (там у него в зале неожиданно начинали петь и танцевать смотрители) доступен всем желающим. Заходишь в бальный зал прошлого века, а тут прямо на полу парочка обнимается, целуется и говорит друг другу полушепотом нежности. Только успеваешь подумать: студенты капиталистического Запада совсем потеряли стыд и совесть, как до тебя доходит – это же акция такая, искусство! И позы любовников всего лишь цитата из классических поз, начиная с "Поцелуя" Родена. Принимать их пара будет до конца мая. У очередной биеннале (бюджет ее составляет ?3 млн) есть название, почерпнутое у Джона Стейнбека, чей роман "От мышей и людей" вдохновлял кураторов. В этом году их трое: знаменитый художник Маурицио Кателлан и двое критиков – Али Суботник и Массимилиано Джони. Классические размышления из серии "на троих" окончились едва ли не скандальным выбором: кураторы отказались от какой-либо концепции. Они положились на собственный вкус, и эта субъективность оказалась единственной декларацией. При этом назвать такую позицию просто эпатажной либо взятой с потолка невозможно. Кураторы честно работали полтора года. Они регулярно показывали предварительные выставки в берлинской галерее Гагосяна, а в городском журнале культурных новостей долго вели рубрику о современном искусстве, построенную на вопросах читателей. Обсуждались разные концепции: биеннале без искусства, биеннале без объектов, биеннале с объектами, но теми, которые не являются искусством... В результате решили просто сделать выставку, на которую хотелось бы сходить самим. Сделали. Сходили. Следом за ними потянулись толпы. В результате такого нестандартного, некоторых так даже оскорбившего решения качество взяло верх над количеством, а также над слепой верностью понятию "первая свежесть". Публике показывают произведения не обязательно последних лет. Иные из них уже давно известны, как видео с лошадью модного ныне в Европе албанского художника Анри Сала или инсталляция на тему насилия от американского классика Брюса Наумана. Другие и вовсе принадлежат истории, как работы польского художника Тадеуша Кантора (1914-1990) или венского акциониста Отто Мюля. Его короткометражки датированы 1965 годом, когда большая часть посетителей Берлинского биеннале еще не родилась. Недавняя ретроспектива Мюля на родине сопровождалась чудовищными скандалами и едва ли не демонстрациями протеста. Художник, известный в том числе и своею молодежной коммуной, существовавшей в 70-е, не так давно освободился из тюрьмы. Он отсидел восемь лет за развращение малолетних. Как раз бывшие жертвы его сексуально-художественных практик и требовали запретить выставку Мюля, угрожая в качестве протеста уничтожать работы прямо в залах. А Берлину, кажется, не до Мюля, здесь все проходит спокойно. Биеннале вообще поначалу выглядит как симпатичное, но не очень обязательное высказывание по поводу текущей современности. Разве что интереса к Восточной Европе на этот раз больше, чем обычно. Россия, например, представлена работой Виктора Алимпиева, чье видео прибыло на берега Шпрее из галереи "Риджина" (и публика, надо сказать, смотрит короткую ленту о девочках, барабанящих пальцами по столу, напряженно и подолгу). Алимпиева показывают в Еврейской школе, здании с эффектным фасадом конца 20-х в духе "новой вещественности", находящимся внутри на грани разрушения. Именно здесь расставляются главные смысловые акценты всего биеннале, становятся ясны настроения кураторов и тот художественный язык, которому они отдают предпочтение. Меланхолия в век жестокости и насилия, ностальгия как средство спасения и образ мысли – так в итоге формулируются их подсознательные идеи и интересы. Сюжетно это перекликается с главным хитом нынешнего сезона в Берлине, прибывшей сюда из Парижа выставкой "Меланхолия" (в Новой национальной галерее большинство работ, конечно, классических). Но у биеннале свои сюжеты. Одни из них – некрофильские, как видеофильм американки Аиды Руиловой, посвященный влечению красивой женщины к мертвому старику (красавице, конечно, многое бы простилось в этих сценах, если бы он оказался ей отцом или хотя бы дядей). Другие – о жестокости жизни. В фотосерии о родах на дому американки Коры Маккоркл так много крови и страданий, так ярки физиологические подробности, что счастливый конец истории (мать окровавленными руками прижимает к себе младенца) выглядит счастливым скорее для ее участников, чем для публики. Третий ряд сюжетов – о подсознательном страхе перед неизбежным, но так и не случающимся. В фильме румына Мирчи Кантора на экране встречаются волк и косуля. Они заперты в одной комнате и все время поглядывают друг на друга – она в пугливом ожидании, он в недоумении: и что это я, дескать, медлю. Провокация хоть и коротка по хронометражу, всего 2 минуты 43 секунды, но длится мучительно долго. В итоге так ничего не происходит (волк, видимо, был сыт), зато саспенсу позавидовал бы сам Альфред Хичкок. Но главным все же оказался исторический подтекст. Его символом может стать работа Пола Маккарти, посвященная "истерическому дому". В спортивном зале беспрерывно хлопают двери, они еще и движутся вместе со своими стенами. Результат не только оглушительно громкий, но и устрашающий: хлопающая дверь с надвигающейся на зрителя стеной способна любого меланхолика превратить в холерика. Как и большую часть биеннале, Маккарти показывают в бывшей Еврейской школе, чей запущенный вид, обшарпанные стены и обветшалые потолки создают совершенно особую атмосферу, печальную и в то же время наполняющую происходящее особым смыслом. Она характеризует не только время депрессии и усталости, неопределенности целей и всеобщей дезориентации, столь характерное для нового века. Атмосфера извне проникает и в художественное произведение. Благодаря этому становится понятно, насколько для искусства сегодня важно не только "что" и "как", но и "где". Обстоятельство места оказывается главным членом предложения, его сказуемым и подлежащим одновременно.

10 апреля 2006 Проект "Сдвиг / от Ленинграда к Петербургу" 8 Апреля - 14 Мая Музей Нонконформистского Искусства. Большой зал Арт-центр Пушкинская, 10 Вход с Лиговского пр., 53 Вернисаж 8 Апреля в 16.00 Созданный в 1999/2000 году, в канун юбилея Санкт-Петербурга фотографический выставочный проект "Сдвиг/ от Ленинграда к Петербургу" включает работы петербургских фотографов старшего, среднего и молодого поколения посвященные городу. Все пять прошедших лет проект путешествовал, и был показан в полной либо сокращенных версии в России (Петрозаводск, Красноярск, Екатеринбург, Нижний Новгород) и за рубежом (Финляндия, Голландия, Германия). В 2000 году силами галереи “Фотоimage” и СПб Техно-Арт-Центра создана мультимедийная версия проекта, которая была включена в СD-rom “Фотоimage – Cовременная петербургская фотография”. В проекте представлено около 200 работ более чем 30-ти авторов: старшее поколение: Борис Михалевкин, Борис Смелов,  Борис Кудряков, Людмила Таболина, Евгений Камский, Сергей Фалин, Петр Лебедев, Сергей Подгорков; среднее поколение: Александр Китаев, Андрей Чежин, Алексей Титаренко, Валерий Потапов, Евгений Мохорев, Наталия Цехомская, Игорь Лебедев, Юрий Журавский, Александр Зеленский, Александор Филиппов, Ольга Корсунова, Дмитрий Виленский, Сергей Леонтьев, Александр Рец, Стас Чабуткин, Дмитрий Конрадт; молодое поколение: Мария Снигиревская, Александр Соколов, Александр Петросян, Дмитрий Горячев, Эдгар Калаев, Тимур Багов, Алексей Савкин, Кирилл Ефимов, Олег Шагапов, Сергей Щербаков, Никита Инфантьев. Кураторы проекта: Дмитрий Пиликин, Андрей Чежин, Игорь Лебедев  У ленинградского поэта Виктора Ширали была такая строчка: "...твой Петербург лежит в оправе окраин Ленинграда рук". Ленинград существовал 67 лет - отрезок сравнимый с продолжительностью человеческой жизни.  Жители города пережили по большому счету все, что было отпущено судьбой: три революции, голод гражданской войны, сталинские репрессии, 900-дневную фашистскую блокаду... За это время выросло несколько поколений горожан, для которых звучание имени Петербург, а тем более Санкт-Петербург отсылало к истории, литературе и седой старине. Да и льдистое, сдержанное звание "ленинградец" имело под собой свою историю и свою гордость (без каких-либо апелляций к имени конкретного исторического персонажа). Так сложилась история, так сложилась судьба и тень Ленинграда конечно же останется в ауре города навсегда (наравне с тем, еще петровским Санкт-Петербургом и и недолгосрочным Петроградом). Хотя бы потому, что в Ленинграде выросло несколько поколений его жителей. Да что там, потому что в нем родились почти все мы, поскольку родившиеся во вновь обретенном Санкт-Петербурге еще только начинают разглядывать мир. В этом городе родились или долгое время жили и все представленные на выставке художники (я сознательно убираю здесь слово "фотограф" ставшее в последнее время обозначением чисто прикладной деятельности). Просто в отличие от нас - зрителей они в силу своих способностей (или точнее: в силу какой-то внутренней необходимости, не дающей покоя) смогли зафиксировать и передать мельчайшие изменения временных состояний. Поэтому, рассматривая сегодня эти фотографии, мы узнаем себя и изменившееся время. Фотограф - оптикоцентрист, волшебник взгляда, вылавливающий из повседневности визуальную ауру бытия. Но фотограф также и "проживающий" человек на способность зрения которого влияет изменяющееся время. Основное ядро проекта составляют фотографии сделанные одними и теми же авторами с 10-30 летним перерывом. Это образ Ленинграда 60-х, 70-х и 90-х годов и образ вновь обретенного Санкт Петербурга  увиденный глазами современников. "Сдвиг" восприятия вызванный резкими социальными изменениями был настолько резким, что многие старые мастера перестали снимать город, а "молодежь" уже и не помнит того, прежнего Ленинграда. Проект позволил собрать и показать в новом качестве обширную палитру петербургской творческой художественной фотографии, посвященной  нашему городу. Дмитрий Пиликин

7 апреля 2006 Умер театральный художник Давид Боровский В Боготе (Колумбия) скончался от инфаркта театральный художник Давид Боровский, передает радио "Свобода". В этом городе в рамках Ибероамериканского театрального фестиваля проходила его персональная выставка, планировалось проведение мастер-классов художника. Ему был 71 год. Давид Львович Боровский родился в 1934 году в Одессе. С 15 лет начал подрабатывать учеником декоратора в Русском драматическом театре имени Леси Украинки. Позже он работал во многих киевских театрах. В 1965 году появился первый его оперный спектакль – это была "Катерина Измайлова". В 1966 году Боровский переехал в Москву по приглашению Бориса Львова-Анохина. В течение года он был главным художником театра им. Станиславского. С 1967 года Боровский работал в театре на Таганке, где вместе с Юрием Любимовым создал ряд самых знаменитых спектаклей – "Живой", "А зори здесь тихие", "Гамлет". Биография художника помнит сотрудничество с такими режиссерами как Лев Додин, Анатолий Эфрос, Иосиф Райхельгауз, Галина Волчек.

5 апреля 2006 Каменный цветок Петербурга "Строгий, стройный вид". Хрестоматийные строки хрестоматийного "Медного всадника" Александра Пушкина стали классическим определением знаменитого петербургского стиля. Тем не менее, одним из символов города на Неве и одной из самых привлекательных его достопримечательностей является Храм Воскресения Христова, более известный как Спас на Крови. Что в этом удивительного? То, что этот храм-памятник петербургскому стилю во всем противоречит. Хотя, возможно, именно это и делает его столь притягательным для туристов и, что скрывать, и самих жителей города? Затейливо-причудливая манера московских зодчих XVI-XVII столетия была материализована в Петербурге волей императора Александра III. Он желал видеть на месте последнего, удачного покушения народовольцев на жизнь его венценосного отца - царя-реформатора Александра II здание исключительно в неорусском стиле. Из-за этого желания императора комиссии по увековечиванию памяти убитого царя городской думы Петербурга пришлось проводить конкурс на лучший проект храма-мемориала дважды. Участники первого, по неизвестной причине о вкусах главного заказчика осведомлены не были. Поэтому его победителям пришлось довольствоваться экспонированием проектов на Всероссийской промышленной выставке, проходившей, кстати, в Москве. Строить храм предстояло архитектору Альфреду Парланду (проект его был создан в союзе с архимандритом стрельнинского монастыря Игнатием, но последний умер еще до начала строительства). Сам храм, создание которого потребовало 24 лет напряженного труда, похож на произведение ювелира-виртуоза. На его поверхности, кажется, нет места свободного от резьбы, рельефов, изразцов и великолепия мозаик. Любуясь богатством декоративного убранства собора, не пропустите интереснейшую летопись царствования Александра II. В 20 каменных досках, вьющихся по периметру фасада, найдете вы рассказ о важнейших событиях правления и жизни императора. Часть старой ограды Екатерининского канала (ныне канала Грибоедова) и старые булыжники мостовой - немые свидетели драматических событиях, которым храм обязан своим появлением и названием. Их сохранили. Войдя в храм, вы их легко найдете. Место, где упал смертельно раненный народовольцем Гриневицким царь отмечено великолепной резной сенью. Внутри мир самоцветов, расцветший под вечно синим мозаичным небесным сводом. Здесь даже самый тусклый серый свет хмурого петербургского утра, отраженный в золоте смальты, сам становится сказочно-золотым. Из далекого великолепия синевы, переплетенной причудливой вязью узоров, на нас взирают многочисленные святые. Выбор художников, которым предстояло создать изображения благословенных образов, был предопределен стилем храма. Виктор Васнецов, Михаил Нестеров, Андрей Рябушкин. Кто лучше этих мастеров, посвятивших себя возрождению в живописи мира Древней, допетровской Руси, подходил на эту роль? Долгие годы великолепие Спаса на Крови было скрыто от глаз. В 1930 году, разделив судьбу тысяч храмов по всей России, он как действующая церковь был закрыт. После Великой Отечественной войны в его стенах разместили склад декораций Мариинского театра. Сейчас в это трудно поверить, но был момент, когда его "как не представляющий художественной ценности" хотели снести. От гибели "каменный цветок" Петербурга спас тогдашний директор Музея "Исаакиевский собор". Сегодня, после долгих лет реставрационных работ Спас на Крови снова виден во всем своем великолепии. Резные башни и цветные купола диковинного храма, искрящегося цветом, неизменно привлекают внимание многочисленных прохожих.

5 апреля 2006 "Святой Николай Мирликийский" в корпусе Бенуа 30 марта в корпусе Бенуа Государственного Русского музея открывается выставка "Святой Николай Мирликийский". На экспозиции представлено около 150 произведений иконописи, скульптуры и шитья, предметы личного благочестия и храмового убранства, иконописные прориси, созданных в XII-XX вв. Среди святых христианского мира образ святителя Николая получил в русской средневековой культуре особенно широкое распространение. По преданию, святой Николай жил в городе Миры (или Пинарах), в малоазиатской провинции Ликии. Он был единственным сыном богатых и благочестивых родителей. Рассказывается, что будущий святой с первых лет жизни поражал окружающих своим поведением: отказывался от материнской груди по средам и пятницам (в постные дни), семилетним отроком сам назвал имя будущего учителя. В 19 лет Николай стал священником. Приняв сан архиепископа его родного города Миры, Николай в силу своего кроткого нрава и человеколюбия стал помощником, заступником и благодетелем всем горожанам. При жизни Николай Мирликийский прославился защитой бедных, угнетенных и несправедливо осужденных, а после смерти - чудесами - изгнанием бесов, исцелением, воскрешением мертвых, умножением хлеба и вина. Культ святого утвердился на Руси с принятием христианства в IX веке и очень быстро Никола (Николай Чудотворец, Никола Угодник) превратился в наиболее чтимого русского святого - заступника перед Богом за род человеческий, помощника в бедах, хранителя путешествующих и плавающих по морю, покровителя и защитника домашнего скота. В любой русской церкви всегда находились образы святого Николая. Иконы Николы неизменно ставили в красном углу русской избы. "Русский Бог" - так именовали св. Николая Чудотворца приезжавшие на Русь иностранные путешественники. Николе посвящены как различные литературные произведения, так и огромное число храмов, фресковых циклов, деревянных скульптур и икон, среди которых немало чудотворных образов. Одним из наиболее ранних типов изображения святителя в иконописи являлся его поясной образ, нередко окруженный клеймами житийного повествования. Эта иконография была заимствована из Византии, где была особенно популярна в XI-XII столетиях. Представленный в полном святительском облачении в торжественной иератической позе святитель держит в левой руке Евангелие и благословляет правой. В начале XII века в Новгороде прославился образ святителя - "Никола круглая доска", имевший реплики вплоть до XVIII столетия. Предание связывает его появление с чудесным исцелением новгородского князя Мстислава Владимировича. По легенде, образ приплыл в Новгород из Киева в 1103 г. и был обнаружен в водах Ильмень озера близ острова Липно. Специально для этого образа в 1113 г. был возведен храм на княжеском Дворище, известный ныне как Николо-Дворищенский собор. Очень важное место с раннего времени отводилось на Руси полнофигурному образу св. Николая, также связанному своим появлением с Византией, где он был представлен Очень популярен образ, получивший в поздней традиции наименование "Зарайского". Его отличительной особенностью является поза святителя, представленного с Евангелием на покровенной левой руке и с отведенной в сторону благословляющей десницей. В композиции подчеркнута тема литургического служения св. Николая, когда он, изображая Христа, выходит в центр храма для проповеди Слова Божия. О первом подобном иконном образе святителя, принесенном на Русь, повествует сказание. Оно сообщает, что в 1225 г. икону св. Николая Чудотворца принесли из Корсуни. Некоторое время она пребывала в Новгороде, где творила многочисленные чудеса, а затем была перенесена в Рязанские земли. По названию рязанского города Зарайска образ стали именовать "Зарайским". Однако, как показали недавние исследования филологов, не город Зарайск дал название иконе, а, напротив, сам древний образ, находившийся в урочище Заразы, дал имя городу, возникшему гораздо позже того момента, когда икона оказалась в Рязанских пределах и начала творить чудеса. В XVIII веке по указу Петра I резные изображения святых были запрещены и повсеместно изымались из храмов. Этим объясняется сравнительно небольшое количество уцелевших до наших дней памятников деревянной скульптуры. Лучше всего они сохранились на Севере, вдалеке от бдительного ока государя. Среди них были и образы св. Николы Можайского, перевезенные в XIX веке в Петербург. Как и иконописные изображения, резные образы св. Николая были часто окружены легендами. Одна из них зафиксирована в тексте Первой Псковской летописи, где рассказывается о принесении в Псков в 1540/1541 г. резных изображений святителя Николая и мученицы Параскевы "в храмцах" старцами "переходцами с иных земель" и об отказе псковского духовенства и народа поклоняться им. Конец сомнениям положило освидетельствование скульптур новгородским архиепископом Макарием, повелевшим воздавать образам должное поклонение. За трехсотлетнюю историю Петербурга св. Николаю было посвящено около шестидесяти главных алтарей городских соборов, приходских церквей, дворцовых и домовых храмов, а также церквей при государственных, военных, учебных, исправительных, лечебных, благотворительных и прочих учреждениях. Выставка продолжает традицию экспонирования произведений древнерусского искусства из собрания Русского музея, начатую выставками, посвященными образам Иисуса Христа ( "Иисус Христос в христианском искусстве и культуре XIV-XX века", 2000 г.) и Богоматери ("Пречистому образу Твоему поклоняемся…", 1995 г.)

4 апреля 2006 www.fotomasterskie.ru объявляет набор на новый курс "Авторская мастерская Александра Китаева" С 5 апреля начинает занятия первая группа Авторской мастерской Александра Китаева «ОДУШЕВЛЕННЫЙ ПОРТРЕТ» в Школе фотографии. Эксклюзивность обучения у такого мастера, как Китаев, подтвердилась ажиотажем и мгновенным набором первой группы учеников - набор на курс был объявлен в понедельник на еженедельном мастер-классе, к пятнице только из сегодняшних учеников Школы фотографии на курс записались 8 человек! Но в одну группу могут входить только 6 человек. Поэтому Школа фотографии объявляет набор во вторую, параллельную, группу авторской мастерской Александра Китаева. Свободными остались 1 МЕСТО. Всего курс будет идти три недели. Основные занятия будут проводиться интенсивно в течение двух недель, затем, после недели самостоятельной работы пройдут два итоговых занятия. Окончательное расписание дней проведения встреч согласовывается в группе. В любом случае, занятия будут проходить по вечерам в исторической мастерской фотографа, где было снято множество знаменитых портретов. Курс состоит из 10 занятий. Стоимость обучения – 10 000 руб. Занятия ориентировочно начинаются с 10 апреля. Завершается набор на очередные КУРСЫ ЛЕКЦИЙ: Игорь Лебедев ИСТОРИЯ ФОТОГРАФИИ: ЭТАПЫ И НАПРАВЛЕНИЯ Осталось 4 места. В авторском курсе Игоря Лебедева история фотографии складывается как история великих фотографов и их произведений. Дагер, Тальбот, Хилл и Адамсон, Камерон, Атже, Эмерсон, Стейхен, Стиглиц, Стрэнд, Уэстон, Брассай, Картье-Брессон, Шерман, Арбус, Франк, Мэпплторп – вот только некоторые имена. Темы, посвященные эволюции различных фотографических жанров (пейзаж, портрет, натюрморт, автопортрет, архитектурная фотография, fashion) и технических инноваций рассматриваются на примере отдельного мастера и его работ. Настоящий курс не рассказывает о фотографии вообще, он сфокусирован исключительно на фотографии как искусстве. Занятия строятся по принципу демонстрации богатейшего визуального материала как редкого, так и широко известного с параллельным рассказом и комментариями. Андрей Жуков ПСИХОЛОГИЯ ВОСПРИЯТИЯ И ПОСТРОЕНИЯ ИЗОБРАЖЕНИЯ Осталось 3 места. Авторский курс психолога и фотографа Андрея Жукова построен по принципу от простого к сложному. Погружение слушателей в мир "картинки" начинается от основ восприятия изображения, восприятия цвета, света, композиции и символов и продвигаясь к освоению сложных механизмов построения и "чтения" фотоизображения, психологических особенностей создания и восприятия фотографии, анализа изображения. Среди слушателей первого цикла лекций оказались как фотографы, так и студенты специальности "Психология" ВУЗов, а также люди сторонних профессий, которым была интересна тема психологии восприятия изображений. Запись на собеседование по телефонам: (812) 913-0498, 915-6916 А также по e-mail: info@fotomasterski.ru Анкету можно скачать на сайте www.fotomasterskie.ru

31 марта 2006 4 – 15 апреля, Выставочный зал редакции журнала "НоМИ" (СПб) – "Собаки. Охота. Друзья". Фотография, акварель на тему Эта выставка не концептуальная и не коммерческая, она о любви к стране под названием "Охота". У этой страны свои границы, территории и законы, своя история и искусство, свои жители, свои друзья и чужаки. Остаться равнодушным к ней невозможно. Главным в этой стране была и есть природа. Выставочный зал журнала "НоМИ" 4.04.2006 – 15.04.2006 ПЕЙЗАЖ С ОХОТНИКОМ И СОБАКОЙ ОЛЬГА НОСКОВА (фотография) АЛЕКСАНДР БАКУСОВ (графика)  Взгляд на пейзаж и природу в целом, где человек теперь основное действующее лицо, претерпел ряд серьезных изменений. Раньше изображение охотника часто даже не соотносилось с пейзажем. В таких произведениях искусства, как рельефы и росписи Древнего Египта и Древней Греции, посвященные сценам охоты, пейзаж почти всегда отсутствовал. Важно было изображение самого противоборства человека и животного. Животное и было самой природой. Сейчас пейзажем в лучшем случае любуются, снисходительно позволяя ему быть рядом. Именно поэтому так ценно увидеть и разделить любовь к природе среди охотников – этому и посвящена предстоящая выставка. Ольга Носкова занимается фотографией сравнительно недавно. Это ее первая экспозиция – на ней будут представлены работы последних двух лет. Может показаться странным, что женщина снимает охоту. Но Ольга много лет путешествовала с мужем, настоящим охотником, и знает о любимой мужской забаве не понаслышке, и поэтому женский взгляд на охоту может оказаться интересным и необычным. Александр Бакусов, известный петербургский архитектор, профессионал с академическим образованием, представит публике свои рисунки и акварели. Все они выполнены во время охоты, на привалах и ночевках или в одиноких путешествиях с собакой. Наверное, многие в детстве с наслаждением перелистывали книжку Эрнеста Сетон-Томпсона, а потом ходили по снегу, рассматривая следы невиданных зверей? Если что- либо подобное происходило с вами, то наверняка вам будет понятен лиризм и тонкое чувство света, драматизм движения и точность репортажа в фотографиях Ольги Носковой. Как и желание остановить мгновение в легких акварелях и набросках Александра Бакусова. Все это – уходящий силуэт охотника, верная собака – сейчас так же вписаны в круговорот природы, как и много, много лет тому назад.

31 марта 2006 12 – 23 апреля, Государственный центр фотографии – Александр Сидоров. "Киммерия: по ту сторону ландшафта" Государственный центр фотографии представляет выставку Александра Сидорова "КИММЕРИЯ: ПО ТУ СТОРОНУ ЛАНДШАФТА" 12 – 23 апреля 2006 Выставочный зал Государственного центра фотографии Где была Киммерия, не знает никто. Если верить Геродоту, пустынная страна киммерийцев, всегда погруженная во мрак и туман, находилась в Восточном Крыму, между Боспором Киммерийским и горным массивом Демерджи. Как и любая историческая область, Киммерия имеет свои координаты и географические очертания, но все же, это не просто область или страна – это духовное пространство, растворившееся во времени, восходящем к эпохе Гомера и сохраненное для нас поэтической памятью Максимилиана Волошина. Историческое и географическое в этом пространстве с течением времени заместилось архетипическим и психическим: если это и область, то скорее область бессознательного, если это страна, то далекая и неведомая страна грез и особого состояния души, если это и царство, то – царство Духа. Архетипическое путешествие в Киммерию фотографа Алика Сидорова отнюдь не новомодный проект в веселой компании с мобильниками и цифровыми камерами, но трудная и напряженная работа, совпавшая по годам с самым активным периодом создания журнала "А-Я" (1981-1985 гг.). Съемки были спасительной отдушиной между задержаниями, допросами и обысками, неизбежными в те времена для редактора подпольного журнала. Каждую осень Сидоров тайком ускользал из Москвы и на несколько недель целиком отдавался фотосъемкам. В результате появилась серия из 1500 снимков, пролежавшая невостребованной более двадцати лет, как, впрочем, и другие его альбомы. Как же сейчас мы можем оценить этот творческий эксперимент? Только ли как персональную попытку вызвать к жизни развоплотившиеся образы и вновь обрести утраченные мифы? Или настало время переосмыслить порождающие возможности архетипического осмысления искусства, культуры и нашего прошлого? Ответ может дать открываемая выставка. Фотограф приглашает нас пройти вместе с ним сквозь пространства, в которых растворились следы многих народов: греков, римлян, армян, сирийцев, скифов, сарматов, готов, татар, турков и многих, многих других; проплыть вдоль берегов, до которых добрался в поисках души опустошенный битвами Одиссей; притаиться за кустом шиповника, наблюдая за мотыльком, летящим на солнечный луч. И пусть в этом путешествии нам сопутствует самый замечательный, еще от детства сохраненный в каждом из нас дар: способность удивляться и узнавать духовное, таящееся в нас. Валерий Всеволодович Зеленский Государственный центр фотографии Санкт-Петербург, Большая Морская, 35 М. Невский проспект/ Гостиный двор Т. (812) 3141214, т/ф. (812) 3146184 http://www.ncprf.org