Новости сайта

20 июня 2006 "Поиски визуального кинетизма" в Эрмитаже На выставке в Залах у Салтыковского подъезда в Зимнем дворце представлено около 50 работ основных представителей кинетического искусства из Италии, Латинской Америки, Франции, Югославии, России и Германии. Экспозиция организована Государственным Эрмитажем совместно с издательством "Иль Чиньо Галилео Галилеи", при поддержке Министерства иностранных дел Италии, Министерства культуры Италии и Генерального консульства Италии в Санкт- Петербурге. Кинетическое искусство, или кинетизм, - художественное течение, в основе которого лежит идея формы в движении, которое понимается не как физическое перемещение предмета, а как его изменение или трансформация, как любая форма "жизни" предмета в момент его восприятия зрителем. Некоторые произведения динамически преобразуются самим зрителем, другие - колебаниями воздушной среды. Большое распространение получили конструкции, приводимые в движение мотором или электромагнитными силами. Во многих случаях иллюзия движения возникает благодаря меняющемуся освещению, иногда форма оптически меняется при изменении точки обзора зрителем. Кинетическое искусство как самостоятельное направление оформилось во второй половине 1950-х годов. Ему предшествовали эксперименты дадаистов, футуристов, конструктивистов, а также витавшие в воздухе идеи создания произведений с меняющейся формой. Главные задачи, которые ставят перед собой художники-кинетисты, - это эстетизация движения, игра света и тени с использованием нетрадиционных прозрачных материалов, эксперименты с динамикой и светотенью. При помощи специальных структур создается иллюзия движения. Еще один часто используемый художниками прием - создание так называемого "муарового эффекта", возникающего от взаимодействия нескольких сеток или растров, расположенных на некотором расстоянии друг от друга. Любое движение зрителя включает механизм взаимодействия растровых сеток, что приводит к образованию сложных переливающихся орнаментальных образов. Наиболее эффектными оказываются работы, выполненные с использованием контрастных линеарных структур, когда целостный образ складывается из реального волнообразного рисунка. Сами композиции провоцируют зрителя на широкий круг образных ассоциаций. Нередко восприятие колеблется от плоских образов к пространственным и обратно. Еще одна особенность кинетического искусства - его рациональная эстетика, геометрическая, строго выверенная пластика объектов, программированное движение формы и света. Цель выставки - проследить развитие этого направления, уделяя внимание, прежде всего, искусству послевоенной Италии, где свой вклад в кинетизм внесли Бруго Мунари, миланская "Группа T" и, в большой степени "Группа Н" из Венето. В последнюю входили Альберто Биази, Манфредо Массирони, Тони Коста, Эдоардо Ланди - сформировавшиеся в середине 1950-х годов молодые художники. Творчество Альберто Биази, одного из наиболее утонченных и сложных представителей кинетизма, связано с овладением механизмами оптического восприятия, направленными на поиск аналогий с природными явлениями и призванными вовлечь зрителя в пространственные взаимодействия. Позднее, в 1960-х годах во Франции формируется группа G.R.A.V. (Группа Исследования Визуальных Искусств), основанная художниками Демарко, Гарсия Росси, Порелле, Собрино и Ле Парком, получившим в 1968 году первый приз на Биеннале в Венеции. Россия также не осталась в стороне от этих творческих поисков: можно упомянуть группу "Движение", куда вошли Нусберг, Колейчук, Урин, и группу "Мир", основанную Колейчуком и Рыгуновым. Из произведений русских художников на выставке можно увидеть работы Колейчука, Инфанте и Стучебрюкова. Куратор выставки - А.К. Митин, научный сотрудник Отдела истории западноевропейского искусства Государственного Эрмитажа.

15 июня 2006 В Лондоне открылась крупная выставка произведений соцреализма Крупная выставка произведений советского социалистического реализма открылась в среду вечером в Лондоне. Как передает РИА "Новости", в экспозиции, которая разместилась в галерее Чэмберс, представлено около 200 работ, созданных в разные годы и в разной технике. В течение многих лет советский социалистический реализм рассматривался на Западе как "аутсайдерское" направление искусства ХХ века", - отметили организаторы выставки. - Он отвергался в угоду модернизму, осуждался как откровенно политический, скучный и слишком предметно-изобразительный". Однако, по словам устроителей экспозиции, "сейчас приходит осознание, что сравнивать социалистический реализм с западным искусством несерьезно". "Это абсолютно уникальный культурный феномен", - подчеркивают в галерее Чэмберс. Среди живописных работ стоит отметить огромное полотно, размером 200 на 228 см, кисти Юрия Любавина "В дни Октября" (1967). Написанное к 50-летию Октябрьской революции, оно изображает Ленина в его характерной позе - с вытянутой рукой. В петлице у вождя красный бант, который гармонирует с цветом знамен. Революция, коллективизация и развитие промышленности, мирная жизнь и Великая Отечественная война - такова тематика большинства работ в первом разделе экспозиции. Романтизированная сцена казни 26 бакинских комиссаров британскими интервентами, отображенная Альбертом Папикяном, перекликается с моментом трагической смерти Зои Космодемьянской на картине Ивана Пентешина. Помимо живописных работ, зрители могут увидеть во втором разделе выставки и пропагандистские плакаты разных лет советской эпохи. Они пользуются особенной популярностью в Великобритании. Так, в знаменитой галерее Tate Modern им отведен специальный зал. История СССР начинается на плакате 1917 года "Кто больше платит продгужналога", продолжается плакатом "Дойдем до Берлина" (1944). Развитие образования отражает плакат "Учителю народному мы шлем слова любви: делами славят Родину ученики твои!". Привлекает внимание с точки зрения дизайна и плакат перестроечных лет "Моя родина - СССР", где четыре заглавных буквы в названии страны составлены из флагов пятнадцати союзных республик. Третий раздел выставки посвящен республикам бывшего Советского Союза, прежде всего Украине. Здесь и произведения на исторические сюжеты - картины "Богдан" Василя Гурина с изображением Богдана Хмельницкого и портрет-линогравюра поэта Тараса Шевченко. Несколько самых ценных полотен выставки посвящены украинским национальным традициям. Красоты Крыма демонстрируют картины "Ялтинская гавань" Михайло Кокина и "Улица в Гурзуфе" Виктора Пузырькова. Своеобразный диптих составляют два среднеазиатских пейзажа Романа Шустермана "На аральской верфи" и "Мангышлак, поселок в пустыне" (оба - 1963 года). Искусствоведы отмечают, что многие картины, особенно пейзажные, написаны с использованием импрессионистских приемов, хотя официально это никогда не признавалось. Выставка демонстрирует полноту художественного восприятия художниками советской действительности, которая хотя и была порой приукрашенной, не ограничивалась только "партийными" сюжетами. Выставка продлится в течение месяца, до 14 июля. Практически все произведения по завершении выставки можно будет приобрести. Они оцениваются в суммы от нескольких десятков до 15 тысяч фунтов стерлингов.

13 июня 2006 Штудии. Одушевленный портрет. Фотовыставка выпускников авторской мастерской «Одушевленный портрет». 15 июня – 15 июля Фотографический портрет вновь становится модным жанром искусства фотографии. Лица окружают нас повсюду – портреты знаменитостей в журналах, герои рекламы и «медийные» образы. Но самыми дорогими для нас всегда будут лица близких людей, друзей и родных, лица которых в век технологий, в отличие от традиционных художественных техник – живописи и графики – несет на себе фотография. Но как ни всякое изображение является искусством, так и не всякий фотопортрет является Портретом с большой буквы. Снимать «живой» портрет умеют не многие и этому учатся у мастеров. В апреле к признанному петербургскому мастеру фотопортрета Александру Китаеву в авторскую мастерскую «Одушевленный портрет» попали десять фотографов, которых нельзя назвать начинающими, у каждого из них уже есть собственный фотографический опыт, углубленное обучение фотографии, участие в выставках. Но каждый из них знал за чем идет учиться к лучшему фотографу. Интенсивный курс со съемками и философскими беседами перерос во взаимное обучение, обогащение опытом и идеями. Промежуточным итогом этого общения и развития стали десять портретов Александра Китаева десяти его учеников и еще более пятидесяти «одушевленных» портретов друг друга, друзей и сторонних героев, созданных учениками на волне обучения искусству фотопортрета. Именно их Школа фотографии «Петербургские фотомастерские» во главе с куратором экспозиции Александром Китаевым и представляет на выставке «Штудии. Одушевленный портрет». Участники выставки: Кирилл Арсеньев, Николай Буянов, Геннадий Головин, Анастасия Гордеева, Евгений Жульков, Татьяна Король, Александр Китаев, Екатерина Мнацаканян, Александр Румянцев, Владимир Чернецкий, Родион Юрга. Одушевленный портрет. Программа авторской мастерской получила название «Одушевленный портрет». И это не случайно. На мой взгляд, сегодня это наименее востребованный жанр искусства, пребывающий в настоящий момент в глубоком кризисе. И в самом деле, не называть же портретом те протокольные снимки, что требуются населению для всевозможных документов – от удостоверения личности до пропуска за границу? Более или менее можно назвать портретом те изображения, что востребованы некоторыми социальными и асоциальными группами населения, вроде политиков или проституток. Однако портреты, востребованные ими по роду занятий, также ограничены определенным регламентом и не оставляют художнику никакой свободы. Чуть лучше дело обстоит с портретами т.н. «медийных лиц» и лиц «свободных профессий» - здесь чаще всего приглашаются профессиональные фотографы. Но, несмотря на высокую стоимость услуг в этой сфере, гарантий получения высокохудожественного результата нет никаких. В погоне за клиентом здесь правит бал китч - кривлянье и откровенная пошлость. Давний прогноз былого наркома просвещения Луначарского, утверждавшего, что в будущем каждый грамотный человек будет владеть фотоаппаратом так же, как авторучкой, осуществился с лихвой. Владеет даже неграмотный. Теперь большинство населения сами себе фотографы и современные домашние собрания снимков «на память» распухают от разноцветных 10 на 15 карточек с на редкость однообразными и без образными изображениями типа «я и памятник» и «салат». (Так в минилабах называют снимки застолий). Институт классической профессиональной фотографии, трудами которого заполнялись семейные альбомы на протяжении первых полутора веков истории фотографии, захирел. Легкость получения при посредстве современных камер технически грамотного изображения вызывает у большинства людей устойчивую иллюзию, что искусство фотографии может даться без стараний, без обучения. Однако это не так. Говорить на родном языке человек начинает рано и без усилий. А вот «говорить» письменно надо учиться. Надо не только буквы выучить – этого достаточно только для отправки SMS -- но и усвоить, по крайней мере, грамматику и орфографию. Так и в фотографии. Мало «записать» визуальную информацию – с этим теперь прекрасно справляется сам фотоаппарат – надо еще и овладеть рядом навыков для придания снимку такой формы, чтобы он был воспринят за узким кругом знакомых с персонажем лиц. Ведь даже цифровая фотография остается светописью. То есть основной рисунок изображения создается именно светом и многовековые законы изобразительного искусства, придающие ему внятный образный строй, никто не отменял. Вот здесь-то, имея целью как-то поправить положение, и была мной предложена некая методика обучения. Носящая, впрочем, скорее «реальный», чем «классический» характер. Эта «реальность» выразилась, во-первых, в том, что я отказался от обучения классической постановке света принятой в павильонной съемке. То есть постарался показать как, пользуясь лишь естественным дневным светом, делать портрет, находясь в любом реальном помещении. Во-вторых, ученикам было предложено за время обучения сделать работы такого уровня, чтобы их не стыдно было экспонировать в грядущих конкретных выставках. Конечно, мы увлеклись и удержаться строго в рамках заданной темы «портрет» ни мне, не ученикам, не удалось. В искусстве нет «больших» и «маленьких». Они учились у меня, я учился у них (и было чему), мы сдружились, академические часы не выдержали объема и азарта… Теперь мы готовы представить свои экзерсисы на суд публики и вот первый, извлеченный мной из всей этой эпопеи урок: все обучаемы. Но не забывайте, что в творчестве часто быстрее приходит успех, чем искусство. Ал. Китаев. СПб., июнь 2006.

13 июня 2006 «Частная коллекция» Выставка Екатерины Рождественской. 19 июня - 7 июля 2006 г. С 19 июня по 7 июля Центральный выставочный зал «Манеж» и журнал «Караван историй» представляют выставку «Частная коллекция» известной фотохудожницы Екатерины Рождественской. Проект «Частная коллекция» - это фантазии на тему известных живописных полотен из собрания работ автора. Многие фотопортреты впервые были опубликованы в журнале «Караван историй» и еженедельнике «7 Дней» и сразу привлекли к себе внимание. К настоящему времени Екатериной Рождественской создано более 1300 работ, в которых героями знаменитых живописных полотен мастеров разных эпох стали российские знаменитости. Ирина Алферова, Михаил Боярский, Лайма Вайкуле, Людмила Гурченко, Дарья Донцова, Владимир Жириновский, Ольга Кабо, Анна Ковальчук, Дмитрий Нагиев, Елена Образцова, Эльдар Рязанов, Владимир Спиваков, Александр и Екатерина Стриженовы, Владислав Третьяк, Иван Ургант, Константин Хабенский - вот далеко не все герои необычных работ Екатерины Рождественской, которые будут представлены в экспозиции выставки. Благодаря удивительной точности декораций, грима и костюмов Екатерине Рождественской удается воссоздать атмосферу прошлого, из которого и рождаются новые образы, потрясая своей схожестью с оригиналами. Екатерина Рождественская – автор и исполнитель 17 фотопроектов, среди них: «Частная коллекция», «Ассоциации», «Мужчина и женщина», «Реинкарнация», «Фото-пробы», «Мечты детства», «Братья и сестры», «Родня», «Карты», «Натюрморты» и многие другие. Авторские экспозиции и персональные выставки Екатерины Рождественской с успехом прошли в Москве, Нижнем Новгороде, Киеве, Днепропетровске, Донецке, Львове, Одессе, Харькове, Ялте и других городах России.

9 июня 2006 Выставка современного японского искусства. "Культурное наследие будущего. Белые ночи, Санкт-Петербург" 22-24 июня в Манеже пройдет выставка произведений современного японского искусства «Культурное наследие будущего. Белые ночи в Санкт-Петербурге» На выставке будут представлены произведения японской литературы, традиционной и современной живописи, каллиграфии, пластического искусства, искусства создания кукол. Петербуржцы увидят 103 лучшие работы японских художников второй половины 20 века, а так же 287 произведений современной японской литературы (каллиграфия). В память о посещении выставки каждый посетитель получит от организаторов открытки с изображением произведений японского искусства (живопись и каллиграфия). На выставке будет проводиться "Первый всемирный конкурс японской поэзии - World Poetry Contest". Во время работы выставки будут прочитана лекция о современной японской поэзии хайку и танка, и мы приглашаем всех принять участие в конкурсе составления хайку или танка на русском языке. Победитель конкурса получит приз от организаторов выставки - билет в Японию (туда-обратно) Обязательно попробуйте свои силы и сочините стихи! Выставка организована при поддержке генерального консульства Японии, Комитета по культуре Администрации Санкт-Петербурга, Министерства культуры и массовых коммуникаций РФ, японским Обществом изучения культуры и эстетики, центральным выставочным залом "Манеж". Вход свободный 22-24 июня в Манеже пройдет выставка произведений современного японского искусства "Культурное наследие будущего. Белые ночи, Санкт-Петербург". На выставке будут представлены произведения современной и традиционной японской живописи, литературы, каллиграфии, пластического искусства, искусства создания кукол. Петербуржцы увидят 103 лучшие работы японских художников второй половины 20 века, а так же 287 произведений современной японской литературы (каллиграфия). Прикоснуться к духовному наследию, почувствовать удивительные особенности японской культуры поможет искусство каллиграфии. Этот древний способ коммуникации сегодня почитается в Японии одновременно как и графическое искусство. Иероглифы, написанные мастерами в традиционной манере, олицетворяют связь между древностью, окутанной легендами, и культурой постиндустриальной Японии. Подарком ценителям поэзии станут работы современных художников, изображающих традиционные стихи хайку и танка. Но даже те петербуржцы, кто впервые в эти дни познакомится с японской поэзией, смогут принять участие в конкурсе стихосложения в стиле хайку. Победитель конкурса получит приз от организаторов выставки - билет в Японию (туда-обратно). Посетители выставки смогут погрузиться в ауру произведений искусства, выполненных в традиционной японской технике нихонга. Характерные для этого стиля материалы - тушь и водяные краски на шелке или бумаге в форме свитков. В этом традиционном стиле выполнены художественные работы "Желание", "Павлиний кактус", "Лунная ночь". На экспозиции также будет представлена японская живопись маслом на холсте в стиле ёга. Она отличается от традиционной японской живописи не только отношением к объекту изображения, но и техникой. Для ёга характерна станковая живопись маслом на холсте. В память о выставке посетители получат от организаторов открытки с изображением произведений японского искусства (живопись и каллиграфия). Выставка организована Японским обществом изучения культуры и эстетики, при поддержке генерального консульства Японии, Министерства культуры и массовых коммуникаций РФ, Комитета по культуре Правительства Санкт-Петербурга и центральным выставочным залом "Манеж". Вход на выставку свободный.

6 июня 2006 "Созерцая Движение" А.Ежова в Музее "700 лет – Ландскрона, Невское устье, Ниеншанц" Музей «700 лет – Ландскрона, Невское устье, Ниеншанц» приглашает посетить фотовыставку Алексея Ежова «Созерцая Движение». Вернисаж 7 июня в 18.00. Работы Алексея Ежова увлекают с первого взгляда. Сюжет уносит в сказочную страну, однако, вглядевшись в эту фантастическую реальность, мы понимаем, что здесь изображено нечто большее… Сложные инженерные конструкции, запечатленные на фото, будто замирают для того, чтобы мы могли их разглядеть. Что это: фотография или живопись? Или и то, и другое? Одна из работ Алексея Ежова «Созерцая движение» стала победителем на Всероссийском конкурсе цифровой фотографии «Цифровая реальность» (Москва, 2006) в номинации «Цифровые миры». Как всегда, открытие экспозиции обещает стать настоящим праздником. Среди ее посетителей мы надеемся увидеть друзей нашего музея. Выставка работает до 15 июля 2006 года.

1 июня 2006 Выставка “Сорок седьмой”. С 30 мая 2005 года по 16 июня в выставочном зале «ПЕРВАЯ ЛИНИЯ» Факультета журналистики СПбГУ (1-я линия, 26) проходит отчетная выставка “Сорок седьмой” выпускников Факультета фотокорреспондентов имени Ю.А. Гальперина при Санкт-Петербургском творческом Союзе журналистов.  Вы спросите почему на Первой линии, а не в Доме журналиста, как  это было все предыдущие годы? Увы, на Невском, 70 сейчас началась реставрация штаб-квартиры Санкт-Петербургского творческого Союза журналистов. (И продлится она не менее двух лет…) Второй вопрос, который чаще всего задают коллеги — что за  магические цифры в названии выставки «47»? А это… возраст необычного учебного заведения. Не надо быть семи пядей во лбу, чтобы с уверенностью сказать, что через пару лет большинство участников нынешней экспозиции, можно будет встретить в крупнейших мировых фотоагенствах или в ведущих российских и зарубежных изданиях. Более чем за четыре десятилетия существования этого необычного учебного заведения – есть тому немало примеров.  История факультета фотокорреспондентов имени Ю.А. Гальперина при Санкт-Петербургском творческом Союзе журналистов начиналась в далёком 1959 году с обычных фотокурсов. Чуть позже факультет стал частью Университета рабочих корреспондентов. Но канули в лету и радиофакультет, и телевизионщики приказали долго жить вслед за факультетом рабочих корреспондентов. Только фотофакультет продолжает плодотворно работать, год, от года набирая силы. Более чем за четыре десятилетия уникальное учебное заведение закончили сотни фотокорреспондентов. Сегодня их можно встретить во многих периодических изданиях всего земного шара. Наш куратор Сергей Максимишин покорил своим творчеством многие фотоагенства мира. Он неоднократный победитель самых престижных мировых, всероссийских и областных фотоконкурсов. Людмила Кудинова работает бильд-редактором в “Нью-Йорк таймсе”, Юрий Сунцов стал главным редактором американского русскоязычного журнала “Max International” Известными тележурналистами стали бывшие выпускники Дмитрий Запольский, Игорь Высощук, Игорь Ленкин... Ольга Миркина и её супруг Михаил Тынтарев (кстати сказать, «Лучший фотокорреспондент 2005 года» среди репортеров Санкт-Петербурга и Ленинградской области) организовали свое фотоагентство «Black cat, white cat» имени Э.Кустурицы… Факультет гордится главным редактором “Новой газеты” Николаем Донсковым, фоторепортером ЕПА, трижды «Лучшим фотокорреспондентом года» Анатолием Мальцевым, сотрудниками газеты “КоммерсантЪ” Сергеем Семеновым, Никитой Инфантьевым,  Михаилом Разуваевым; бильд-редактором журнала «ОЧЕНЬ УМ» Евгением Павленко; сотрудниками информационного фотоагентства “Интерпресс” Сергеем Куликовым, Евгением Асмоловым и его генеральным директором и основателем Александром Николаевым; Александром Беленьким из St.Petersburg Times, Замиром Усмановым из “Смены”, Дмитрием Соколовым из “Санкт-Петербургских ведомостей”, Лидией Верещагиной из журнала “Город”, свободным фотохудожником Алей Есипович”,  Максимом Бурлаком из столичного “Собеседника”, Владимиром Бертовым из “Пограничника”, Алексеем Даничевым, из “Российской газеты”, Дмитрием Гусариным из ИТАР-ТАСС, Денисом Медведевым из “Часа пик”, Владимиром Мащиковым из газеты «На страже Родины», генеральным директором Агентства спортивной визуальной информации Вячеславом Бухаревым... Даже кураторы на факультете — все исключительно выпускники фотофакультета. Это и Андрей Захаров, и Александр Рощин, и уже упомянутый Сергей Максимишин. И преподают здесь в основном также бывшие наши выпускники. На мастер-классы генерального директора агентства Интерпресс Александра Николаева, репортера “Тоснеских вестей” Евгения Асташенкова, известного фотохудожника Дмитрия Конрадта, репортера “Вечернего Санкт-Петербурга” Валентина Голубовского,  собираются, чуть ли не все фотокорреспонденты города. В отчетную экспозицию вошли 60 фотографий выпускников факультета — по одной работе от каждого. Теперь ваше слово… Открытие выставки  и церемония вручения дипломов состоится в 18.00 30 мая 2005 года. Павел МАРКИН, декан факультета фотокорреспондентов имени Ю.А. Гальперина, член Президиума СПб Академии журналистики

31 мая 2006 "Разрушение новостроек". Сергей Сергеев. На выставке будет представлен новый проект "Разрушение новостроек", работа над которым заняла два года. Сергеев Сергей не только известный петербургский художник, но и один из создателей галереи Д137, и, поэтому, презентация каталога, посвященного 10-летнему юбилею галереи, будет проходить во время открытия его персональной выставки.  Сергеев Сергей и в творчестве и в жизни является эстетом, ценителем индивидуальности, поклонником красоты и гармонии. Его "новостройка" – это не часть города, а все то обезличенное, что окружает современного человека в его повседневной жизни. "Новостройка – это соглашение к принятию ординарного комфорта и суррогатной равнодушной формы. Новостройка – это отсутствие самостоятельного мнения, это МР3 формат: информации много – звучит отвратительно. Это то, что делает глухим и невпечатлительным, притупляет видение. Массовость против штучности. Новостройка – это проживание времени в интернете, собирая сведения на заборе. Новостройка – это восприятие искусства через постер. Это кукловоды-искусствоведы, превратившие изображение в литературу и слоган. Это, доведенная до вторичности, чужая актуальная идея", – Сергеев Сергей. "Творчество Сергеева Сергея простирается в плоскости самых актуальных проблем современного искусства. Его произведения, виртуозно создающие эффекты различных (в том числе и фантастических) материалов, текстур и даже звуков балансируют на причудливой грани консервативности и эксперимента, традиционализма и экзотики, выразительной материальности и эфемерности. Можно сказать, что они зыбко мерцают своими фактурами и смыслами никогда не раскрываясь до конца. Эти работы интригуют зрителя, увлекая своей богатой зрелищностью, которая в любой момент может обернуться меланхолической холодностью и дистанцией. Главный эффект производит сама фактура произведений Сергеева. Именно она является носителем духовного и сюжетного содержания работ. Она же создает пространство со-бытия: даже если средствами живописи художник создает иллюзию поверхности метала или камня, это живые произведения-организмы, меняющиеся при их созерцании и совместном с ними проживании"- А. Хлобыстин. Работы Сергеева Сергея находятся в Государственном Русском Музее (Санкт-Петербург, Россия), Государственном Музеи Истории Санкт-Петербурга (Россия), Севастопольском Музее Изобразительного искусства (Украина), Зиммерли арт музеум (Нью-Джерси, США), Музее Нонконформистского искусства Санкт-Петербурга (Россия).

31 мая 2006 Дмитрий Соколенко. "Бабочки Набокова". 3 – 31 июля Для реализации проекта использованы бабочки, пойманные в 1940–50-е годы Владимиром Набоковым Бабочки находятся в коллекции Музея В.В. Набокова (Россия) и были получены в дар от Гарвардского Музея сравнительной зоологии (США) Автор выражает благодарность комании Leica (Германия), любезно предоставившей оборудование для осуществления проекта Идея проекта одобрена Дмитрием Владимировичем Набоковым (Швейцария) "Мои наслаждения – самые интенсивные из доступных человеку: литературное творчество и ловля бабочек" Владимир Владимирович Набоков. "Твердые мнения"  "По-настоящему я занимался лепидоптерой в течение всего семи-восьми лет, в сороковые годы, и преимущественно в Гарварде, где я работал научным сотрудником энтомологического отдела в Музее сравнительной зоологии. При такого рода исследованиях приходиться постоянно пользоваться микроскопом, а поскольку я предавался им по шести часов ежедневно, то и испортил себе зрение непоправимым образом; но с другой стороны, годы, проведенные в Гарвардском музее, так и остались самыми радостными и волнующими во всей моей взрослой жизни". Владимир Владимирович Набоков. Интервью немецкому телевидению, 1971 Способно ли искусство изучать свои объекты так же детально, как энтомология изучает бабочек? Способна ли наука выявить художественный замысел природы? Эти вопросы поставлены во всех текстах Владимира Набокова. В творчестве Набокова два метода познания – научный и художественный – впервые образуют синтез и это можно считать исключительным достижением писателя. Именно это, возможно, и делает Набокова писателем нового тысячелетия. Летом 1906 года, ровно сто лет назад, семилетний Владимир Набоков поймал свою первую бабочку. Через семь лет было написано первое стихотворение. Оба события точно датированы Набоковым в его мемуарах. С этого времени литература и изучение бабочек стали двумя равно значимыми стихиями, в которых реализовался набоковский дар. Не все читатели знают о том, что Набоков был не только коллекционером, но и профессиональным энтомологом. После переезда в США он семь лет работал куратором отдела лепидоптерологии (раздел энтомологии, изучающий чешуекрылых) в Гарвардском Музее сравнительной зоологии. Эти годы стали наиболее продуктивными для Набокова-энтомолога. Сейчас набоковские коллекции бабочек можно увидеть в единственном в мире Мемориальном Музее В.В.Набокова в Петербурге на Большой Морской, время от времени они демонстрируются на временных выставках в США и Швейцарии. Однако совместный проект Музея В.В.Набокова и Государственного Центра Фотографии РФ принципиально отличается от всех прежних выставок. На фотографиях Дмитрия Соколенко бабочки, собранные Владимиром Набоковым, впервые представлены как художественный объект. Только с помощью современного оптического оборудования и систем регистрации изображения, стало возможным показать красоту и сложность строения бабочки и тем самым помочь читателю оценить красоту и сложность строения художественных текстов Набокова.   Татьяна Пономарева директор Музея В.В.Набокова Санкт-Петербург

31 мая 2006 Китаев/Peterhoff. Фотографии. 16 июня - 15 июля 2006 года Китаев фотографировал Петергоф на протяжении 1990-х годов и обращался к собранию своих петергофских негативов в начале XXI века. Работая на режимном предприятии до 1999 года он был невыездным, и Петергоф стал для него областью свободной художественной границы, краем земли, соприкасающимся с традицией западноевропейского искусства. Памятники искусства, украшающие парки Петергофа, Китаев представлял как важнейшую смысловую константу петербургской истории и мифа. Выставка предлагает контрастное сопоставление констант культурного ландшафта и шумового смога повседневности. Волны аудиозаписи, в которых слышны разноязыкие голоса, топот ног и треск гравия, "разбиваются" о черно-белые изображения статуй, отрешенных от суеты, нашедших опору в самих себе. На выставке экспонируется около 30 произведений из нескольких серий и отдельные фотографические виды Петергофа, дающие представление о разнообразных художественных экспериментах Китаева с изображением. Александр Китаев родился в 1952 году в Ленинграде. Член Союза фотохудожников России (1992), Союза Художников России (1994). Фотографией занимается с 1970-х гг. В 1977 окончил факультет фотокорреспондентов городского университета рабкоров при Ленинградском Доме Журналистов. Входил в фотолюбительские объединения - фотоклубы ВДК, "Дружба" (1972-1982); "Зеркало" (1987-1988). Работал фотографом на судостроительном предприятии (1978-1999). Член организационного совета фестиваля "Традиционный осенний Фотомарафон" (1998-2003). С 1999 - свободный художник. Автор более семидесяти персональных выставок, проходивших в России, Англии, Германии, Голландии, Греции, Италии, Швейцарии и участник более 130 групповых выставок. С 1996 по 2005 гг. в качестве куратора осуществил 14 выставочных проектов. Автор ряда текстов по истории и теории фотографии. Имеет обширную библиографию, произведения хранятся в Российских и зарубежных государственных и частных собраниях. Коллекции: Государственный Русский музей; Российская национальная библиотека; Государственный музей истории Санкт-Петербурга; Ярославский художественный музей; Московский дом фотографии; Музей фотографических коллекций, Москва; Литературно-мемориальный музей Ф. М. Достоевского, Санкт-Петербург; Музей ИРЛИ (Пушкинский дом); Музей "Дом В. В. Набокова", Санкт-Петербург; Коллекция фонда "Свободная культура", Санкт-Петербург; Центр Гуманитарных исследований Гарри Рэнсона, Остин, Техас, США; Музей русской балетной фотографии e-Onegin.com, Лондон; The Navigator Foundation, Boston, USA; The Norton and Nancy Dodge Collection; The Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, Rutgers; The State University of New Jersey, New Brunswick, NJ, US; Mendi Kaszier Foundation, Antwerpen, Belgien; Jean Olaniszyn Collection, Швейцария; коллекция А. В. Логинова, Москва; коллекция М. И. Голосовского, Красногорск. Автор эссе для буклета выставки - Екатерина Андреева.

29 мая 2006 Массимо Гьотти (Италия). "Формула утопии". 2 июня – 17 июля, Петропавловская крепость 2 июня в Петропавловской крепости открывается выставка Массимо Гьотти "Формула утопии". Массимо Гьотти – один из самых ярких современных итальянских художников и скульпторов. Он родился в Турине в 1938 году. Там же окончил Альбертинскую Академию Художеств. Цель экспозиции "Формула утопии", организованной в сотрудничестве с Генеральным консульством Италии в Санкт-Петербурге, познакомить русскую публику с современным итальянским искусством. Работы Массимо Гьотти посвящены механизированной цивилизации и технократическому обществу. В отличие от тех, кто отрицает либо, наоборот, превозносит созданные промышленностью объекты, скульптор замечает изменения в их статусе и сущности. Его произведения располагаются в пространстве таким образом, что зритель ощущает физическую необходимость в дистанции и в передышке. Обузданной силе этих механических объектов присущ классический порядок. Строгие симметричные рамы их профилей, в которые затянуты конструкции из поршней, цепей, балок и рессор, проецируют пространственную гармонию Брунеллески на современный механизированный мир.

29 мая 2006 Аркадий Опочанский. "Рефлекс архитектора". 7 июня – 15 июля, галерея-студия "Альбом" Фотоработы дизайнера Аркадия Опочанского обыгрывают представления о прошлом и будущем петербургской архитектуры. Классические ансамбли и глянцевые виды интересуют автора в той степени, в какой они могут быть точкой приложения его мании деконструкции. Сознание рефлексирующего архитектора преломляет действительность до неузнаваемости. Художника интересует не композиция и не выбранный угол зрения, как в традиционных размышлениях на эту тему, а фактуры зданий. Комбинируя снимки исторических памятников с различными изображениями поверхностей и населяя пространство маргинальными персонажами, художник по-новому видит привычные ландшафты. Современная городская среда открывает в себе возможность актуализации исторического прошлого. В работах Аркадия Опочанского можно увидеть влияние архитектурной школы деконструкции, которая во главе с Жаком Деррида и Питером Айзенманном провозгласила фрагментарность одним из главных архитектурных принципов. На его снимках здания выглядят так, как будто опровергают законы гармонии. Давно позади то время, когда дома строили из камня. Современное искусство вносит архитектуру в область своих новаторских опытов работы с материалом, лишая ее претензии на функциональность и долговечность. Достаточно вспомнить эксперименты маэстро Кристо с оборачиванием здания Рейхстага в Берлине. Коллажи рождаются в процессе фланирования по городу. Автор, беря на себя роль костюмера и кутюрье, переодевает здания в другие цвета и фактуры. Арка Главного штаба, Летний дворец Петра или коринфская капитель перенимают фактуру жатой бумаги, стекла, граффити – чего угодно, на что упадет взгляд. Аркадий Опочанский успешно совмещает традицию и достижения технологий, парадное и бытовое, правду и вымысел, создавая фантасмагорическую "физиологию Петербурга", города тонких контрастов и захватывающего однообразия.

25 мая 2006 "Другие берега" в Музее В.В.Набокова Владимир Набоков "Другие берега". Дизайн Дианы Мисарян. Vladimir Nabokov "Conclusive Evidence". Designed by Diana Misaryan. Двуязычное название выставки, которая открывается в Музее В.В. Набокова, не случайно. Как известно, сначала автобиография Набокова была написана на английском языке под названием "Conclusive Evidence". Затем автор отнюдь не перевел, а написал свой текст заново по-русски, назвав его "Другие берега". Дизайнер и художник Диана Мисарян, опираясь на сочетание английского и русского оригиналов, создала гармоничный и ясный макет книги Набокова. Визуальный ряд книги состоит из двух основных частей. Это серия графических иллюстраций и каллиграфические листы. Некоторая нерезкость и размытость графики продиктована тем, что в воспоминаниях писателя проецируется прежде всего образ, атмосфера, общая картина происходящего, нежели конкретика деталей. Острота и четкость авторской каллиграфии призвана подчеркнуть персонифицированный характер текста. Отсутствие цвета в иллюстративном ряде и выбранный графический язык чем-то роднит иллюстрации с фотографическими карточками, но это отнюдь не хитро обработанные фотографии. Это авторская графика. Огромная ценность проекта Дианы Мисарян в том, что она оперирует не только арсеналом изобразительных средств художника-графика и не ограничивается простым иллюстрированием, но также тонко и вкусно применяет дизайнерский инструментарий. Благодаря этому проект выходит за рамки традиционного представления о книжной графике, обретая остроту современного визуального языка, лежащего в пограничном "графическо-дизайнерском" понятийном поле. Открытие выставки состоится 2 июня в 18.30.

25 мая 2006 "На молитве Русская земля" в ВЗ "Смольный" 19 мая в 16.00 в выставочном зале "Смольный" открывается персональная фотовыставка Епархиального фотохудожника Юрия Петровича Костыгова "На молитве Русская земля". Выставка будет работать с 19 мая по 10 июня 2006 года. Появление фоторабот Юрия Петровича Костыгова в выставочном зале Правительства Ленинградской области "Смольный" - закономерное признание его самобытного мастерства. Епархиальный фотограф Юрий Петрович Костыгов начинал свою деятельность по возрождению православного сознания на Северо-Западе еще при владыке Алексие, нынешнем Патриархе Московском и Всея Руси. Светлый и трагичный лик владыки Иоанна многим из нас впервые приоткрылся именно в самобытных черно-белых фотопортретах Юрия Костыгова. Разноцветье и ликование красок православного богослужения появилось при митрополите Владимире и обогатило дарование мастера новыми гранями. Юрий Костыгов предстал живописцем будней и праздников Русской Православной Церкви, проникновенным философом и лириком бытия. Персональные фотовыставки Ю.П.Костыгова находили сердечный отклик у жителей Германии и Америки. Он является постоянным участником ежегодной выставки "Русь православная", организуемой в Санкт-Петербурге и собирающей сотни тысяч участников со всей уголков России, ближнего и дальнего зарубежья. Фотовыставки "На молитве Русская земля", прошедшие в прошлом году в Доме журналистов и в Доме союза художников России, еще раз подтвердили живой интерес к его творчеству. Фотоработы Юрия Петровича Костыгова публикуются во многих изданиях Санкт-Петербурга. В их числе журналы "Град Духовный", "Санкт-Петербургские епархиальные ведомости", "Русский Дом", газеты "Православный Санкт-Петербург", "За Православие и Самодержавие", "Церковный вестник" и других. Персональная фотовыставка "На молитве Русская земля" будет проходить в выставочном зале Правительства Ленинградской области "Смольный" с 19 мая по 10 июня 2006 года. Торжественное открытие состоится 19 мая в 16.00.

24 мая 2006 "Планета футбол" в Молодежном образовательном центре Эрмитажа Немецкий культурный центр им. Гёте в Санкт-Петербурге и Молодежный центр Государственного Эрмитажа представляют фотовыставку в рамках "Дней Германии в Санкт-Петербурге 2006", проходящих при поддержке Генерального консульства Федеративной Республики Германия WELTSPRACHE FUSSBALL - ПЛАНЕТА ФУТБОЛ. 16-31 мая. Молодежный образовательный центр Государственного Эрмитажа (наб. реки Мойки, 45), вход свободный. Открытие - 16 мая в 16.00. 7-30 июня. Киноцентр "Родина" (Караванная ул., 12). В преддверии Чемпионата мира по футболу ФИФА 2006, который под девизом "Мир в гостях у друзей" будет проходить в Германии в июне и июле 2006 года, Немецкий культурный центр им. Гёте совместно со всемирно известным фотоагентством MAGNUM PHOTOS организовал фотовыставку "Weltsprache Fussball - Планета Футбол". Выставка была включена в официальную программу мероприятий в области культуры и искусства в рамках Чемпионата мира по футболу ФИФА 2006. Данный проект был реализован при поддержке Национального культурного фонда (Nationale Kulturstiftung DFB). Выставка будет показана в 143 Гёте-институтах в 77 странах мира. В центре внимания выставки "Weltsprache Fussball - Планета Футбол" стоит человек: независимо от возраста, национальности и социального положения, он очарован этой игрой. Футбол объединяет, футбол вдохновляет - во всем мире. Выставка отражает бесконечное множество граней современного футбола. Его магическая сила не знает границ. Фотографии, представленные на выставке, свидетельствуют о непосредственном воздействии спорта и игры на личность. Камбоджийские монахи, напряженно ожидающие свистка судьи, португальские дети, гоняющие мяч под проливным дождем, молодежная команда Камеруна, босиком сражающаяся на пожелтевшей от жары траве. "Запечатленные мгновения" - 52 крупноформатные фотографии известных мастеров - Анри Картье-Брессона, Аббаса, Мартина Парра, Герберта Листа и др. создают впечатление полной аутентичности. При этом снимки не просто отражают эйфорию игры, но затрагивают множество тематических зон, которые опосредованно связаны с футболом: урбанизм, общество досуга, социальные структуры, распределение ролей между мужчиной и женщиной.